Disco de la Semana (30/11/08)

El disco Kind Of Blue (1959) es el disco más afamado de Miles Davis y una de las grandes obras maestras del jazz. Una de esas obras increíbles que alcanzan la misma popularidad entre músicos, críticos y aficionados. En Kind Of Blue Miles Davis desarrolló el estilo modal que había iniciado en Milestones. Los temas se sustentan sobre escalas y no sobre acordes. Según las palabras del propio Miles "permite mucha más libertad ... y se convierte en un reto probar la capacidad de innovación melódica de cada uno." Según cuenta Bill Evans (pianista) en el texto del disco, "Miles concibió el esquema de las canciones sólo unas horas antes de las fechas de grabación." La improvisación correría por parte de los músicos tras unas breves indicaciones.

Sin embargo, más allá de la composición y la historia del disco, el resultado es lo que cuenta y la sonoridad de Kind Of Blue sorprenderá a aquel que lo escuche. Es un sonido aparentemente sencillo con un sexteto de altísimo nivel con nombres propios de la historia del jazz como John Coltrane (saxo tenor) o el propio Bill Evans (piano), además de Cannonball Adderley (saxo alto), Paul Chambers (contrabajo), Jimmy Cobb (batería) y Wynton Kelly (piano en #2). El jazz no es una música cerebral ni debe ser considerada elitista; es una música de improvisación, de conexión corporal y emocional. Quizás pueda sorprenderle a alguien la duración de las canciones; la mayoría está en torno a los nueve minutos durante los cuales los músicos van improvisando siguiendo un orden.

Os dejamos una interpretación en directo de la canción que abre el disco, So What, todo un clásico.

Toots and The Maytals

Hasta ahora no habíamos abordado la música jamaicana pero con los Maytals sin duda esta cuenta queda, por el momento, saldada. El más puro reggae y el ska se entremezclan dentro de un ritmo acelerado y bailable que da lugar a todo un grupazo de rocksteady que todavía a día de hoy sigue al pie del cañón paseando su música por cada rincón de este mundo.

Este grupo, surgido en a mediados de los 60, se organizó ya en un principio en torno a la figura de Freferick Hibbert. Apodado como "Toots”, este jamaicano tuvo una infancia muy ligada a la música ya que cantaba gospel de niño en la iglesia; esta faceta suya se reflejaría años más tarde en sus composiciones. Atraído por el sonido tan particular del reggae jamaicano y del ska, Frederick comenzó a formar junto con Henry Gordon y Nathaniel McCarthy, una banda de Rocksteady que tenía un sonido que en ocasiones recordaba a los legendarios The Skatalites ya que algunos de los músicos de estudio de su primera productora, Studio One de Clement Dodd, pertenecían a la banda. Sin embargo la armonía original desarrollada por Toots con claras influencias del gospel desmarcó y destacó a la banda desde un primer momento.
A pesar de los constantes cambios en el campo de la producción, la banda gano varias ediciones del Jamaican Independence Festival Song Competition con canciones como "Bam Bam", "Sweet and Dandy" o "Monkey Man". Fue a raíz de estos éxitos como The Maytals se consagró localmente y empezó a ser conocido fuera de la isla, siendo "Monkey man" todo un éxito internacinal en 1970. Funky Kingstone (1973) o Reggae Got Soul (1975) son obras que pegaron muy fuerte en esta "epoca dorada" de la banda. Grupos tan conocidos como The Specials, The Clash y también Bob Marley con los Wailers, hicieron mención y versionearon canciones como "Monkey man", "Pressure drop" o "Punfy Reggae Party" respectivamente.

Mas tarde, con la llegada del reggae-punk y el auge del ska en Inglaterra en 1978-80, la banda sufrió un declive y llegó incluso a desaparecer. No obstante ya en los 90 se rejuntó para seguir extendiendo el fenómeno Rocksteady en sus incansables giras y con nuevas grabaciones como True love (2005) donde se remasterizan clásicos temas de la banda en compañía de grandes músicos de la talla de Keith Richards o Eric Clapton. En esta segunda etapa también versionaron canciones en tributo a otros artistas (como Let Down de Radiohead) y sirvieron de referente en otras ocasiones ya que su música siguió siendo versionada por multitud de bandas y fue utilizada en el cine e incluso en videojuegos.

Toots and The Maytals, un grupo jamaicano histórico que ha pasado sin pena y con gloria por infinidad de escenarios y ha sabido dejar huella en nosotros, quizás sin saberlo.

Stax por entregas (1); Otis Redding

Después de escribir acerca de Isaac Hayes vamos a seguir hablando de la gran música soul de la Stax. La compañía fue formada por los hermanos Jim Stewart y Estelle Axton -el nombre salió de combinar los dos apellidos-. A principios de los 60 Memphis se convirtió de nuevo en el centro de las transformaciones musicales. Stax proporcionó un estudio de grabación y una tienda de discos a la población de Memphis, sin distinciones raciales -un estado todavía marcado por la segregación-. "En Memphis durante los años 60 gente que no podía comer juntos en bares se juntaron para tocar música, música soul en un lugar llamado Stax". Si Motown tuvo más éxitos en las listas, melodías más cuidadas y arreglos más finos, Stax tuvo el funk y la fuerza; el alma.

La política familiar de la Stax se demostraba con la banda de estudio Booker T & the MG's -una formación instrumental con dos negros y dos blancos- que acompañaba a los cantantes solistas que iban entrando. Otis Redding se convirtió en la gran estrella de la Stax por su talento interpretativo y capacidad de transmisión. Es curioso recordar la historia de Otis en la Stax: llegó un día descargando el equipo y como chofer del grupo Johnny Jenkins & the Pinetoppers. Durante la sesión el batería Al Jackson le dijo Steve Cropper (guitarrista): oye, ¿sabéis el chico que conducía? Me está dando la lata para que le oiga cantar. ¿Lo escucharías cantar para que me deje en paz? Algunos músicos ya se habían marchado y otros estaban cansados pero Otis había estado esperando hasta el final y le dejaron cantar. Steve Cropper cuenta que Otis dijo que tocaran acordes de iglesia y que empezó a cantar These Arms Of Mine y se quedó impresionado por su forma de cantar. Otis Redding murió a los 26 años, el 10 de diciembre de 1967 en un accidente de avioneta. No pudo ver el éxito de Sittin' at the dock of the bay, su primer número uno. Esta canción marcó un cambio de estilo que el mismo definió como folk-soul.

Os dejamos un vídeo en directo de Try a little tenderness. Es una canción que empieza lenta y que acaba con gran fuerza. También uno de Sittin' At The Dock of the Bay, su canción más conocida. Además, vale la pena escuchar otras como Hard to handle, Shake, Mr.Pitiful, Respect o su versión de Satisfaction.

Historia Musical: Tal día como hoy...(20 de noviembre)

Tal día como hoy de 1971, la canción Theme From Shaft de Isaac Hayes alcanzó el puesto #1 el Billboard Hot 100 en el que permanecería dos semanas. Shaft fue una película blaxploitation en la que Isaac Hayes se encargó de la banda sonora. El proyecto estaba relacionado con el movimiento de Black Power; el director era negro (Gordon Parks), el protagonista también (Richard Roundtree) y el compositor también. La banda sonora de Isaac Hayes le convirtió en el primer negro en conseguir un Oscar. El tema de Shaft incluía un sonido de guitarra wah-wah característico y unos arreglos sinfónicos que se mezclaban con el funk y el soul del sello Stax.

Para entender mejor la figura de Isaac Hayes conviene retroceder un poco más en el tiempo. Hayes empezó como músico de estudio y compositor y productor en la compañía discográfica Stax -junto con Motown la compañía más importante de música soul-. Como compositor Hayes trabajaba normalmente con su compañero David Porter y juntos produjeron algunos de las mejores canciones de Stax como Hold On I'm Coming, Soul Man o You don't know like I know que popularizarían Sam & Dave. Poco a poco, Hayes empezó a participar en grabaciones como pianista o teclista de cantantes como Otis Redding o los propios Sam & Dave. Tras la muerte de Otis Redding y el regreso de Sam & Dave a Atlantic la Stax se quedaba sin sus principales estrellas. El buen trabajo de Hayes y las circunstancias de la compañía le dieron la posibilidad de publicar un disco a su nombre. Sin embargo, Presenting Isaac Hayes (1968) fue un fracaso comercial. Hayes estaba desarrollando entonces un nuevo concepto del soul distinto. Si Soul Man (2:36) o Hold On I'm Coming (2:30) eran canciones cortas, de estribillo marcado y muy rítmicas, sus nuevas canciones eran radicalmente distintas. Su siguiente álbum Hot Buttered Soul (1969) lo demostró y llegó a ser un éxito. El título ya resulta muy significativo. Hayes desarrolló para sí mismo una idea del soul nueva y evolucionada que se adaptaba a sus características como intérprete. Su sonido atmosférico está marcado por arreglos orquestrales, órganos, trompetas y por su grave voz. En Walk On By transformó la canción de Dionne Warwick en una exploración de 12 minutos. Isaac Hayes no era un gran cantante y se especializó en crear atmosferas sugerentes y atractivas y en utilizar su registro de voz para casi recitar. Sus canciones están, a menudo, cargadas de erotismo; le gustaba pensar que la gente hacía el amor escuchando su música.

A partir de Hot Buttered Soul, Isaac Hayes fue convirtiéndose en un líder y un icono del soul. Una especie de profeta que recibió el nombre de Black Moses (Moisés Negro) y lo utilizó como nombre de uno de sus discos. Como artista consagrado, el éxito definitivo le llegó con la banda sonora de Shaft y el Oscar. Áños después Hayes llegó a pasar malas rachas pero se convirtió en un personaje público. Trabajó en televisión (también en un capítulo de El Equipo A), participó en campañas benéficas y puso voz al personaje del Chef -también negro- de la serie South Park.

Isaac Hayes murió el pasado agosto a los 65 años en su casa de Memphis. Desde aquí le recordamos, sobre todo por su faceta como músico. Sus composiciones durante la primera época de Stax son fantásticas y su desarrollo del Soul dinamizó los setenta llevándolo a otros parámetros musicales que influyeron en el funk, incluso en la aparición del rap; en la música negra en general.

Do The Evolution

Os dejamos el fantástico videoclip de Do the Evolution, la canción de Pearl Jam. El vídeo fue animado por Kevin Altieri que dirigió la serie animada de Batman entre otros trabajos. Para los que no conozcan a Pearl Jam, son una banda de rock de Seattle líderes del movimiento grunge de principios de los 90. En este vídeo aparece la letra de la canción subtitulada en castellano. Trata de la evolución del ser humano haciendo un repaso histórico particular. Se incluyen todo tipo the imágenes en una reflexión acerca del ser humano y su comportamiento. Lo mejor es que veáis el vídeo y lo comentéis si quereis.

Disco de la semana 18-11-08

"Vengue" fue el debut discográfico del conjunto barcelonés Ojos de brujo, formado oficialmente en 1996. Éste integraba una agrupación de grandes músicos pertenecientes a la escena local de jam sessions de Barcelona, que encontraron en Marina "La canillas" voz e imagen para el conjunto. A pesar de que este encuentro se produjo en la isla de Formentera, el grupo se trasladó a Barcelona donde fijó su hogar. Desde ahí desarrollaron un arte vacilón y callejero a través de la rumba de Barcelona iniciada ya por Peret. De hecho en homenaje a este, editan una canción en colaboración con el llamado "rey de la rumba".

Este grupo de flamenco-fusión ya desde su inicio trató de mezclar el puro estilo con mucha percusión (de todo tipo), reggae, pinceladas de hip hop y también algo de electrónica con la incorporación de un dj que mezcla en este álbum a la perfección bases y scratchin' con rumbas, tangos y soleares. "Vengue" se trata de "duende" en caló (lengua gitana) y es así como el pueblo gitano llama al estado artístico, prácticamente un trance pasional, en la interpretación del flamenco. Un nombre muy acertado para este disco que emana pasión y arte. No obstante, fue en directo donde el grupo tenía más gancho y fue gracias a esto por lo que empezó a correr la voz prácticamente de boca en boca. Un rumor que hoy es ya toda una realidad.

"Abbey Road"

"Como en los viejos tiempos", así es como Paul McCarney se dirigió a George Martin (productor). Recuperar el espíritu Beatle con el objeto de grabar un ultimo disco. Esa era su intención; y sin duda lo consiguió. Este álbum de los Beatles es todo un referente musical. Grabado y editado en 1969 se convirtió en la última obra del grupo británico como conjunto ya que Let it be fue grabado con anterioridad a pesar de su posterior publicación. En este álbum la partición a doble cara se da necesariamente ya que pretende reflejar la diferente manera de pensar, a la hora de componer, de Lennon y McCartney.

En la primera cara hay grandes canciones de la banda como son "Come toghether" o "I want you (She's so heavy)" junto con grandes baladas como "Oh! darling" (McCartney) o"Something" (compuesta por Harrison). En esta primera cara se dan temas independientes y muy diferentes musicalmente hablando, contentando así las aspiraciones de Lennon; se incluye tambien un tema compuesto por Ringo Starr, "Octopus Garden" en el que Harrison también intervino o colaboró en su composición. En la intrumentación se destaca inclusión de nuevos instrumentos como teclados acústicos, organos o sintetizadores.

Es la segunda cara la que, al menos personalmente, se cree la mejor segunda cara de la historia. Hay que reconocer que es mas interesante de escuchar por los enlaces que, a traves de puentes musicales en gran parte compuestos por McCartney, se hacen entre los diferentes temas. Temas que en ocasiones se tiñen de nostalgia y de pesimismo como en "Because" (Lennon) que, inspirado en el Claro de Luna de L.V. Beethoven (sonata para piano Nº14) y con la voz de Lennon doblada, al enlazar con "You never give me your money" da todo un ejemplo de inteligencia y maestria musical. Ya no se trata de si sus temas tiene gancho o son insipidos. El hecho es que los temas son para quitarse el sombrero y los enlaces entre estos simplemente para deleitarse, saben lo que toca y cuando toca. Una vez más no queda otra que admirar a los de Liverpool.