"Stand by me" sin fronteras (impresionante)

Aquí os dejamos este curioso fragmento del documental “Playing for Change: Peace Through Music”de Mark Johnson y Jonathan Walls. Más de 100 músicos de diferentes nacionalidades interpretan el archiconocido"Stand by me" de Ben E. King. Artistas callejeros de todo el mundo, desde Santa Monica a Amsterdam o Rusia, interpretan este temazo con ánimo de lanzar un mensaje de paz y hermandad entre culturas. El montaje esta realmente conseguido asi como la combinación de estilos y formas musicales. Todo un logro visual y musical. Ver para creer.

Norah Jones

Un tacto suave y una voz más que íntima. Esta ha sido la clave del éxito para esta pianista y cantante de jazz norteamericana. Convenció en su día al reputado sello discográfico Blue Note y ha conseguido convencer y cautivar, sin demasiada publicidad o impacto mediático, a un gran público. Fue su segundo trabajo "Come with me" el que marcó una incidencia dentro del panorama musical en USA y al cabo de un tiempo en el resto del mundo, llegando a vender más de dieciocho millones de copias de este trabajo. Un álbum que también recibió el reconocimiento profesional en los Grammy de 2003 al conseguir ocho estatuillas, entre las que se incluye por supuesto la de artista revelación.

Norah lleva un estilo muy jazzy pero que incorpora en sus melodías mucha nostalgia e intimismo (tonal). Sus temas se inspiran en la música de grandes del blues y del jazz como Ray Charles, Bill Evans, Duke Ellington o Etta James. Acompañada de una formación muy clásica (contrabajo, bateria y guitarra rítmica) integrada por excelentes músicos del sello discográfico, su voz se atreve con todo y se ha convertido ya en todo un referente. Ha versionado y adaptado temas de Duke Ellington, como la canción para la que ella escribió las letras y la re-tituló con el nombre de "Don’t Miss You At All", y también ha colaborado con artistas tan reconocidos como Herbie Hancock en "Court and Spark", tributo a Joni Mitchell.

De hecho la cantante y pianista hace su debut cinematográfico en la ultima obra de Wong Kar-Wai "My blueberry nights". Norah Jones es hija del prestigioso músico indio Ravi Shankar, creador de bandas sonoras (entre otras, de la trilogía de Apur obra de Satjajit Ray) por lo que la relación entre música y cine no le resulta desconocida. Es así como esta jovencísima artista ha compuesto el tema con el que se abre y cierra la película. Al mas puro estilo Norah Jones, nos encontramos con un tema tranquilo y relajado que derrocha sensualidad y elegancia. No hay más que verla en directo para empezar a "creer" en su voz.

Disco de la semana (18-1-2009)

Este cantaor onubense ha publicado un album con el que por fin a logrado meter cabeza. Y es que esta fusión de flamenco y soul da un resultado de lo más sorprendete y logrado. El disco contiene versiones a caballo entre el flamenco, el soul y el pop de temas tan populares como ‘Yersterday’, para lo cual ha grabado hasta con un coro de gospel en Londres. Pero también tiene mucho cante tradicional por lo que no se trata de un disco versionado sin más sino que se reinterpreta y reinventa el genero soul a su estilo, estilo Pitingo. Este segundo disco arranca con una versión de "killin' me softly" que no lleva tanto aire flamenco pero si se puede apreciar ya desde el principio en la guitarra algun ramalazo de pasión flamenca. Sin embargo a medida que se avanza en las pistas entran piezas con más "duende" y menos soul. En colaboración con Juan Carmona encontramos temas ya en géneros muy flamencos como una soleá de Fernanda de Utrera, una taranta con Juan Habichuela, unos tientos de La Niña de los Peines, una trilla o unos fandangos de Marchena. A fin de cuentas, un trabajo soprendentemente recomendable.

Bebo Valdés y el Cigala

Aquí os dejamos con "Lágrimas negras", la canción popular compuesta en los años 30 por el cubano Miguel Matamoros (1894-1971) e interpretada en este caso por estas dos grandes figuras del cante y de la tecla. Sin duda esta colaboración se ha forjado sobre el entendimiento de dos generaciones y dos estilos. Sobre el entendimiento entre dos grandes músicos que vieron en su unión una oportunidad artística más que enriquecedora. El resultado es el disco del mismo nombre ("Lágrimas negras") donde un pianista cubano de 84 años y un cantaor español 50 años más joven desarrollan un estilo muy pasional con un aire "vacilón". El álbum contiene nueve canciones que son clásicos ("Corazon loco" o el tango de "Veinte años atrás" entre otros), con la participación de músicos de primerísima fila. Escuchen, vean y disfruten.

Disco de la Semana (10-01-09): Bob Marley & The Wailers - Survival (1979)

Publicado tras sus mayores éxitos comerciales –Exodus (1977) y Kaya (1978)- el álbum Survival es, sin duda, uno de los más completos de la carrera discográfica de Bob Marley por su compromiso y profundidad temática y musical. Incluso antes de escuchar la grabación el título, la portada -formada por banderas africanas- y la contraportada, que incluye la cita de Marcus Garvey “A people without the knowledge of their past history, origin and culture is like a tree without roots”, hacen intuir el carácter especial del disco. Survival iba a llamarse The Black Survival pero se acortó para evitar polémicas y malentendidos dejando el componente negro fuera del título aunque siguió siendo esencial en el álbum. Además, Survival fue el primer disco para Island que no incluyó un tema de periodos anteriores del jamaicano.
La carrera de Bob Marley estuvo marcada por el tiroteo sufrido en su casa el 3 de diciembre de 1976. Bob se exilió en Londres donde grabó las canciones que formarían Exodus y Kaya en un ambiente más seguro y anónimo. Había alcanzado una gran madurez compositiva y supo realizar unas grabaciones magnificas de las que saldrían dos discos con canciones de temática muy variada. Recuerda las causas de su exilio en varias canciones como So much things to say, Guiltiness, y la propia Exodus además de en Running Away (Kaya) y Ambush In The Night (Survival). Pero también compone canciones de amor que se convertirían en éxitos definitivos como Is This Love o One Love y temas bailables y desenfadados como Jamming.
La autenticidad de la música de Bob Marley & The Wailers se percibe con facilidad porque desprende un aroma cálido de bienestar, de tierra humilde y porque su fraseo y sus palabras –escritas con una lírica sencilla y precisa- parecen adquirir más contundencia y actualidad cada día. Survival se fragua con la vuelta de Bob a Jamaica. Una vuelta al origen, a la raíz, al principio: a África. Un manifiesto panafricano de unión, fraternidad y levantamiento frente al mundo rico y blanco de Babylon. Junto a la inicial So much trouble in the world que actúa como prólogo, quizás las canciones más emblemáticas de Survival son las que forman la parte media del disco: Babylon System, Survival y Africa Unite. Incluso parecen seguir un hilo argumental. Babylon System es una denuncia amarga y un ataque directo al sistema impuesto y a sus instituciones. Survival son tres minutos y medio de levantamiento negro. Es desenfadada y alegre pero también mordaz, urgente y necesaria. Africa Unite parece querer llevarnos al final del camino. Es una canción idealista que apela a la unión africana y rasta y a la satisfacción que supondría alcanzarla. Además, también son destacables canciones como Zimbabwe y Ride Natty Ride. La primera conmemora la lucha por la independencia en Zimbabwe. El grupo fue invitado por el nuevo gobierno para tocarla en la ceremonia de independencia. Por su parte, Ride Natty Ride es una historia de rabiosa actualidad sobre un trabajador explotado al servicio del poder. Las canciones de Bob son muchas veces de denuncia pero nunca victimistas, ni derrotistas, ni siquiera tristes. Siempre hay una vía de liberación, de lucha y descreimiento de los valores aceptados.
Refiriéndose a Bob Marley, Chris Blackwell (productor del grupo desde la preparación de Catch A Fire -1972- ) escribió: “cuando un artista es realmente excepcional suele rodearle un tipo especial de energía.” Nacido de madre negra y padre blanco inglés, Bob Marley sigue teniendo el aura mística que le llevó a convertirse en un líder espiritual y popular para muchísima gente, además de en un defensor de la causa africana. Su figura ha llegado a nuestros días convertida en icono; icono de la marihuana, del movimiento rastafari e incluso del merchandising. Bob es todo eso pero su complejidad va más allá. Es necesario escarbar y sumergirse en su obra plagada de amor, alegría, rebeldía, denuncia, liberación, redención, mitología… Si todos escuchásemos a Bob Marley & The Wailers y dejáramos que su música alcanzara nuestras entrañas, los días serían más relajados; el mundo sería más pacífico y la vida sería más alegre.

Platero y tú - Desertor

Hoy os dejamos con un vídeo fantástico de Platero y tú. La canción es Desertor, toda una muestra de rock con un "duelo" guitarrero entre Fito y Iñaki Antón. Para quien ande un poco despistado, antes de emprender su carrera en solitario, Fito tocaba con Platero y tú. Por otra parte, Iñaki es actualmente el guitarra solista de Extremoduro. Llegó a coincidir con los dos grupos produciendo y tocando la guitarra.

En todo caso, Platero y tú fue una de las grandes bandas de rock n roll que hemos tenido. Os dejamos con Desertor, un tema no muy conocido pero que vale la pena escuchar y observar en el vídeo. Son imágenes de un concierto en la Sala Canciller de Madrid de la gira del disco 7 (1997). Parte del concierto ya circulaba por internet y en el 2005 se edito como parte del recopilatorio Hay Mucho Rock n Roll Volumen II.

Sin duda lo mejor de la canción es la música, la coordinación de los dos guitarristas y todo lo que sucede a partir del minuto 2. Esperemos que os guste.

Disco de la semana (4-1-09)

Este disco, editado en 1992, posiblemente incorpore los temas más conocidos por el público ya que fue en su día todo un éxito comercial, al igual que lo fue su gira de presentación junto a Juan Perro donde también participó Raimundo Amador (componente de la antigua formación Veneno junto a Kiko y su hermano Rafael Amador). De hecho que este veterano del cante pudiera dedicarse por entero a la música fue fruto de este éxito comercial; da que pensar teniendo en cuenta la extensa carrera musical iniciada ya en el 75 junto a los hermanos Amador.
Más allá de su éxito comercial, cabe destacar que los temas que integran el disco forman una imagen ya más consagrada del estilo de este artista. Temas como "En un Mercedes Blanco", "Joselito" o "Echo de menos" son esta "esencia" de Kiko, tan presente en el disco Veneno (1977) el primer trabajo junto a los hermanos Amador que supuso toda una revolución musical de guitarras callejeras. La música Echate un cantecito se desenvuelve en un rollo muy rumbero pero que engloba todo tipo de influencias, lo que da fe de la extensa trayectoria musical de Kiko en la que tienen cabida la influencia de artistas casi de mundos diferentes como Frank Zappa, Bob Dylan o Camarón de la Isla (con quién colaboró en el archiconocido álbum de La leyenda del tiempo). Por momentos sus letras están cargadas de ironía y doble sentido y su propio encaje dentro de la música dan lugar a temas con mucho contratiempo y fuerza. Toda una muestra de esta "esencia" suya.

Vicente Amigo

La guitarra de Vicente Amigo sea posiblemente una de las más reconocidas dentro del mundo del flamenco y a su vez toda una desconocida para muchos. Este sevillano de nacimiento y cordobés de sentimiento ha crecido y evolucionado junto a grandes figuras del flamenco como José Mercé, Juan Muñoz (El Tomate) o el mismo Camarón con quien colaboró en su disco “Soy Gitano” en 1989. Esta convivencia tan enriquecedora ha de sumarse a los numerosos festivales y eventos en los que ha participado acompañado de otras grandes figuras y guitarristas de renombre como
Keith Richards, Bob Dylan, Sting, John McLaughlin o Al DiMeola.

Sobra decir que este cúmulo de experiencias ha supuesto un gran aliciente en su carrera y que su depurada técnica se ha visto tiznada, en mayor o menor medida, por la influencia de todos estos compañeros de fatiga. En este sentido su labor como compositor se centra en un flamenco no muy arcaico; novedoso en muchos aspectos y con melodías suaves y cálidas que incorporan en ocasiones muchos referentes musicales del jazz. Es un artista puramente flamenco pero abierto y cercano ya que en su música se entremezclan arrebato y nostalgia de una forma exquisita, de “su forma”. Esta “forma” suya a menudo se sirve de versos de poetas andaluces (él mismo reconoce su pasión por la poesía de Lorca) como se ejemplifica en su homenaje a la obra de Rafael Alberti; “Concierto flamenco para un marinero en tierra”.

A pesar de que en su carrera como artista no faltan galardones (Grammy Latino al mejor Disco de Flamenco en 2001, mejor guitarrista flamenco por la revista Guitar Player en 1993, dos Premios de la Música en 1998 y 1999 y un Premio Ondas en 2002) al fin y al cabo es todo un “desconocido” que sin duda merece ser escuchado no solo por su buen gusto a la hora de deleitar al oyente sino porque puede abrir muchas puertas y acercarte, quizás sin quererlo, al mundo del flamenco.

Os dejamos con "Tres notas para decir te quiero", un tema de Ciudad de las ideas. Disfrutalo :)

Disco de la semana 26-12-2008

La tan aclamada reina del soul ha querido desear a todo su público unas felices fiestas con la publicación de su nuevo disco "This Christmas". Se trata de una recopilación de algunas de las canciones populares de navidad mas entrañables para la cantante. “Angels”, “The Lord will make a way” o “Ave María" son algunos títulos de esta nueva obra de la vocalista norteamericana que a sus 66 años ya se desenvuelve como toda una reina, con la entereza propia de una extensa carrera que la consagró ya en los 60 como la voz femenina del soul.

Describe su nuevo trabajo como un ensayo autobiográfico ya que según ha apuntado la artista "son las canciones favoritas la familia". Recordemos que fue su madre, Barbara Franklin, la que la inicio en el mundo de la música a traves del gospel y el piano por lo que esta obra en parte refleja el sentimiento mas íntimamente familiar de la cantante. Para aquellos que les interese, el disco se encuentra disponible sólo en tiendas virtuales de Borders y Waldenbooks

Stax por entregas (4): Eddie Floyd

Continuamos las entregas de Stax con otro gran artista del sello, Eddie Floyd. Por detrás de Otis Redding y Sam & Dave, situamos a Eddie Floyd que gracias al éxito de Knock on Wood, la canción que escribió junto a Steve Cropper, se ha hecho célebre hasta nuestros días. Knock On Wood es uno de los grandes clásicos de la historia del soul que más tarde interpretarían multitud de artistas como el propio Otis Redding, Ella Fitzgerald, David Bowie o Toots & The Maytals. Sin embargo, aunque consideremos Knock On Wood como la principal aportación de Eddie Floyd tuvo otros éxitos menores pero muy destacables como Big Bird, Raise Your Hand, 634-5789 o California Girl.

Antes de comenzar su carrera en solitario, Eddie Floyd fue cantante y miembro fundador de The Falcons, grupo en el que coincidió con el también gran soul man Wilson Pickett. Recientemente, Eddie ha salido de gira con los Blues Brothers con los que ha interpretado algunos de sus grandes éxitos. De hecho, el actor Dan Akykroyd, cantante de los Blues Brothers es un confeso aficionado suyo desde que era pequeño y está encantado de haber podido compartir escenario con él. Disfrutad de Knock On Wood!

Canción de Navidad

Aprovechando estas fechas, os dejamos con unos vídeos de canciones navideñas interpretadas por distintos artistas. Habrá quien le guste más y quien le guste menos pero si hay un tiempo para escuchar este tipo de canciones, lo mejor es hacerlo ahora. En primer lugar, tenemos el particular villancico que compuso John Lennon, Happy Christmas (War is Over). Se trata de una canción excelente relativamente poco conocida pero que sigue la línea de las composiciones de Lennon en solitario. Lennon habla de navidad para todos -ricos y pobres, blancos y negros- y mantiene el deseo esperanzado de mejorar como mundo. Además, os dejamos también una versión de Winter Wonderland por Brian Setzer y su orquesta. Para aquellos que no le conozcan Brian Setzer fue el líder del grupo de rockabilly Stray Cats y luego formó su propia orquesta en la que demostró su gusto por el swing de los años 30. En cualquier caso, una gran cantidad de artistas han grabado villancicos desde Frank Sinatra a Bruce Springsteen y se encargan de darle un nuevo aire a estas canciones tradicionales.

Niño al piano tocando Caldonia de Louis Jordan

Colgamos este vídeo porque nos ha sorprendido mucho ver a un niño tocando el piano de esta manera. Podría ser un montaje pero parece real y es espectacular y muy divertido. Aprovechamos el vídeo para hablar de la canción que toca el pequeñín. Se trata de Caldonia, uno de los grandes éxitos de Louis Jordan. Es probable que su nombre no os resulte familiar, pero debería ser tan (re)conocido como Ray Charles, BB King, Chuck Berry o Little Richard, grandes figuras de la música y deudores del estilo de Louis Jordan.

Louis Jordan fue el rey de las jukebox, sobre todo en los años 40, y su sonido incorpora elementos del jazz, del blues, del rhythm & blues y del boogie-woogie y anticipa aspectos fundamentales de lo que vendría a llamarse rock 'n' roll. De hecho, su canción Saturday Night Fish Fry se cita a menudo como la primera canción de rock 'n' roll de la historia. Louis Jordan utiliza los arreglos y riffs propios del swing de orquesta y los pone al servicio de una sección rítmica marcada y contundente; walking bass, piano boogie-woogie y batería. Fue un excelente cantante y todo un entertainer llegando a participar en diversas películas.

Además de las canciones citadas, recomendamos canciones fantásticas como Choo Choo Ch'Boogie, Ain't Nobody Here But Us Chicken, Three Handed Woman, Let the good times roll y I'm gonna move to the outskirts of town (estas dos últimas versioneadas tanto por BB King -en su disco de tributo- como por Ray Charles). Os dejamos con una versión en directo de Caldonia.

Disco de la Semana (14/12/08): Duke Ellington & John Coltrane (1962)

Duke Ellington y John Coltrane son dos grandes de la historia del jazz. Duke Ellington fue uno de los grandes directores de orquesta y uno de los mayores compositores de jazz. Por su parte, John Coltrane está considerado uno de los músicos más revolucionarios de jazz, un músico de vanguardia. Esta fue una colaboración histórica con un resultado genial. Duke Ellington continuó con su trabajo en pequeños combo que le daba al mismo tiempo más y menos responsabilidad. Como pianista tiene más peso pero lógicamente su trabajo sin big band es menos arduo. Para Coltrane, según sus propias palabras, "fue un honor tener la oportunidad de trabajar con Duke. Fue una experiencia maravillosa. Ha establecido standards que todavía no he alcanzado. Me hubiera gustado haber trabajado más los temas pero supongo que las interpretaciones no hubieran tenido la misma espontaneidad y puede que no hubieran sido mejores."

Los dos músicos llevaron consigo sus secciones rítmicas habituales que se turnaron dependiendo de la canción. El repertorio está formado por composiciones clásicas de Duke Ellington (In a Sentimental Mood, o Take the A Train -convertido en Take the Coltrane) más dos composiciones más: Big Nick (John Coltrane) y My Little Brown Book (Billy Strayhorn). Coltrane se encarga de conducir melodías e improvisar sobre las canciones. Su estilo este disco supone un respiro, un cambio en las tendencias más innovadoras que estaba desarrollando Coltrane con discos como Giant Steps, My Favourite Things o Soultrane. Duke Ellington & John Coltrane es un clásico con dos grandes maestros pero es un disco accesible, melódico y relajado que gustará a aquellos que quieran introducirse en este tipo de música. Es un disco gustoso de escuchar cuya base rítmica, segura y constante, sirve de soporte para intervenciones generalmente estables sobre todo del saxo bien arropado por el piano particular de Duke.

Historia Musical: Tal día como hoy...(13 de diciembre)

Tal día como hoy de 1972, Bob Marley & The Wailers publicaron el disco Catch a fire en Gran Bretaña (en EE.UU. se publicó un año más tarde). Los miembros del grupo contaron con 4 mil libras para grabar el disco cedidas por Chris Blackwell, fundador del sello Island y productor del disco. Este disco marcó un punto decisivo en la historia de los 70. El reggae se convertía en un género con aspiraciones internacionales y Bob Marley & the Wailers iban a tratarse como una banda de rock.

El disco es una de las joyas de Bob Marley con los Wailers originales (Peter Tosh, Bunny Livingston acompañados por Aston "Family" Barret y Carlton Barret). Además, contaron con la ayuda de músicos de estudio como Wayne Perkins (guitarra solista) o John "Rabbit" Bundrick (sintetizador y órgano). Catch a fire incluye canciones fantásticas relativamente poco conocidas como No more troubles, Baby we've got a date (rock it baby), o Kinky reggae además de relativos éxitos como Concrete Jungle y la fantástica Stir it up. El sonido hipnótico y relajante de las canciones se consigue con variedad de instrumentos que tocan lo preciso y que conjuntamente crean un resultado especial.

Como siempre, la música de Bob Marley adquiere dimensiones místicas y está marcada por el contenido social de las letras que retratan la esclavitud, la rebeldía y la supervivencia. Hay un documental sobre el disco titulado Catch a fire en el aquellos que participaron en el disco lo comentan y vemos todo el trabajo de estudio de músicos y productores. Os dejamos un fragmento del documental que está colgado por partes en Youtube.

En vez de quedarse con recopilatorios, lo más gratificante es ir descubriendo los discos de Bob Marley poco a poco. Esta es la portada original de las primeras 20.000 copias del Catch a Fire. No sabemos si se pueden encontrar ejemplares porque la portada que ha sobrevivido es una con un joven Bob Marley fumando.

Toni Zenet

Jazz, copla, swing o flamenco. El polivalente Toni Zenet se ha convertido en un un maestro del cante en todos estos géneros. Actor, poeta, artista plástico y ahora músico. Su voz cautivó ya la temporada pasada al audotorio del Café Central de Madrid y ahora espera conquistar al público con su primer disco "Los mares de China". Este disco es un cúmulo de temas que responden a la demanda de una "mejor" música dentro del panorama musical comercial. Chet Baker, Billie Holliday, Scorsese, Edith Piaf, Bola de Nieve, Chavela, la Piquer o Kamala son algunas de las influencias citadas en la nota de prensa de su sello.

Su primer disco recoge el repertorio que tanto sorprendió en 2007 a el público de los diferentes cafes de Madrid. Son temas donde se reivindica lo simple, pero una simpleza que corre a cargo de músicos de estudio de gran talento que saben conectar con el estilo del artista. Contrabajo, piano, trompeta y guitarra acompañan al malagueño a elegante ritmo de bossa y giros melódicos de jazz. Zenet,por su parte, se encarga de conquistar al público con su voz y saber estar; sin duda le ayuda las tablas que tiene en su carrera como actor. Cabe mencionar su aparicion en películas como "El joven Picasso", "El camino de los ingleses" o el filme de "Camarón" asi como algunas series televisivas. Sin duda es tan placentero escucharle como verle actuar ya que la combinación de música e interpretacion que lleva a cabo sobre el escenario llegan a crear un cierto clima, un ambiente íntimo y nostálgico reflejado en sus rasgadas letras de copla, su música y su propia forma de ser. Todo un showman que al más puro estilo blues brother cautivará a más de uno.

Disco de la semana (8-12-08)

Este disco se trata de la banda sonora que acompaña al documental del mismo nombre producido en 1998 donde el guitarrista, productor y compositor Ry Cooder viaja a la Habanna y graba un exitoso disco en colaboración con grandes músicos cubanos de la talla de Ibrahim Ferrer (cantante), Compay Segundo (legendario guitarrista) o Eliades Ochoa.

El documental, dirigido por Wim Wenders, se centra en el seguimiento de las vidas de estos grandes músicos asi como de la grabación del disco y de su presentación en Europa (Amsterdam) y América (Nueva York). De esta forma se filma y a la vez se produce este album que recoje todo un surtido de guajiras y boleros donde se respira el aroma de La Habana. Unas melodías suaves y nostálgicas acompañadas de una impresionante percusión, virtuosismo al piano y potencia en los vientos; sin duda un estilo diferente, diferentemente cubano.

Stax por entregas (3); Booker T & the MG's

Este es un vídeo en directo de Green Onions -la canción más popular de Booker T & the MG's- durante un concierto en Noruega del año 67.

Booker T & the MG's desempeñaron un papel fundamental en la Stax. Fueron el sonido que salía de Stax. En primer lugar, eran los músicos de estudio. Por tanto, se encargaban de acompañar con su música a los distintos cantantes como Otis Redding o Sam & Dave entre otros. Grababan en los discos de practicamente todos los artistas de la compañía y además constituyeron su propio grupo de música instrumental. Su formación es sencilla; una guitarra (Steve Cropper), un bajista (Donald "Duck" Dunn), un batería (Al Jackson) y un órgano (Booker T). Tenían un estilo muy propio en el que por encima de cualquier cosa destacaba el ritmo, el groove; "No se trataba de las notas musicales ni de la melodía, se trataba del groove" explicaba Steve Cropper. El grupo hizo sus propias composiciones y también hicieron versiones de temas conocidos sobre todo a medida que fueron transcurriendo los años como I Got A Woman o Lonely Avenue de Ray Charles o Twist & Shout de los Beatles.

Además de por su música, Booker T & the MG's destacaban por ser un grupo de integración racial con dos músicos blancos y dos negros en el Memphis segregado de los años 60. Tras una serie de éxitos en esta década, a principios de los 70 el grupo empezó a tener problemas. Stax empezaba a trabajar como en un producción en cadena y la carga de trabajo para Booker T & the MG's se multiplicaba. Steve Cropper cuenta que ya no podían hacer las cosas igual que antes. Empezaron a tener problemas para trabajar en el estudio y se disolvieron en 1971. No obstante, siguieron reuniendose ocasionalmente. El 75 fue un año trágico por la muerte de Al Jackson, asesinado en su casa por un ladrón. Steve Cropper se refería a él como "el mejor baterista en haber pisado la tierra."

Vale la pena escuchar a este grupo singular que compagina elementos del soul, del R&B e incluso del jazz y el pop en una mezcla que da como resultado el sonido Booker T & the MG's. Si queréis escuhcar otras canciones recomendamos: Time is tight, Hang 'em High, Hip Hug-Her, Jellybread o directamente el álbum Green Onions.

Stax por entregas (2); Sam & Dave

(Se recomienda darle al play antes de empezar a leer. Leerás a ritmo de Soul)

Continuamos con un poco más de Southern Soul del sello Stax. Si Otis Redding fue su estrella definitiva, Sam & Dave fueron los grandes animadores. Sam Moore y David Prater constituyeron un dúo inigualable en la escena del soul caracterizado por su gran energía, por sus bailes y por éxitos como Soul Man, Hold On I'm Coming, You Don't Know Like I Know o Soothe Me (Sam Cooke). No eran compositores sino que interpretaban canciones que la pareja Isaac Hayes-David Porter componían específicamente para ellos. Pienso en Sam & Dave como una pareja de showmen herederos de espectáculos de baile como los del Cotton Club en los años 30. Evidentemente, no por la música sino por la puesta en escena, la compenetración en el baile y la figura de frontmen. Aquellos que no conozcan a Sam & Dave pueden pensar en los Blues Brothers que seleccionaron gran parte del catálogo de la Stax con sus músicos incluidos para rescatar sus canciones.

Sam & Dave llegaron a la Stax como "descartes" de Atlantic, una compañía mucho más poderosa. El propio Sam cuenta que se sintieron defraudados y pensaban que su carrera caía en picado pero ocurrió todo lo contrario. El ambiente familiar de Stax, las composiciones hechas a medida y la oportunidad de trabajar con tranquilidad pusieron a Sam & Dave en el lugar que les correspondía. Sin embargo, su éxito -aunque intenso- sería efímero. Visto el éxito que habían conseguido, Atlantic decidió hacer efectiva la vuelta de Sam & Dave a sus estudios haciendo valer una cláusula de su contrato. Para Sam & Dave ya nada volvería a ser como antes y su carrera empezó a venirse abajo. La situación de Stax empeoró todavía más pues a la muerte de Otis se unió la marcha de Sam & Dave. Este sería el punto inicial de la segunda etapa de Stax en la que Isaac Hayes ocuparía un papel principal.

¿Qué os parecen?

Duquende y Tomatito

Una fusión de dos grandes maestros del cante y la guitarra. Eso es lo que se refleja en esta obra. Editada en 1992, en este disco se complementan el arte de uno y otro a ritmo de tangos, soleás, alegrías y fandangos. El Yin y el Yang. La pasion del cante de Juan Cortés, Duquende, y la maestría de la guitarra de José Fernández Torres, conocido como "Tomatito", en un álbum que derrocha genio y arte.
Ambos músicos se formaron y criaron en el flamenco de la mano del inigualable Camarón de la Isla, y claramente esto no pasa inadvertido cuando uno escucha atentamente el toque y cante que estos desempeñan. Es bien conocido que Tomatito lo acompañó a la guitarra durante los últimos dieciocho años de la vida del maestro. Años en lo que, junto a Paco de Lucia, crearon una extensa discografía y se crearon a su vez, merecidamente, un renombre dentro del panorama musical del flamenco más puro. "La leyenda del tiempo" fue el primero de una larga serie de Lp's y "Como el agua" el primero en el que compartió el toque con Paco, engendrando una de las más admiradas y, desde luego, brillantes obras musicales.
Duquende, por su parte, aunque muy posterior, también compartió momentos con el gaditano. Nacido en Sabadell en el seno de una familia gitana, fue invitado por Camarón ya a la edad de nueve años para debutar en los escenarios, donde tuvo un gran impacto. Su familia se mostró contraria a las invitaciones de casas discográficas por su temprana edad y se tuvo que esperar a1992 para poder disfrutar de este genio del cante en estado puro. El "duende" que ya Camarón le adivinaba fue perfilándose y creciendo hasta tal punto que grandes guitarristas del mundo del flamenco (Vicente Amigo, Juan Manuel Cañizares o Paco de Lucia entre otros) se vieron "obligados" a acompañar su cante.
Es así como en este disco el considerado como "heredero de Camarón" desempeña un cante rasgado, gitano y sugerente. Qué mejor acompañamiento que Tomatito, en colaboración en algunos temas con grandes músicos como Carles Benavent, Tino di Geraldo o los hermanos Carmona (Ketama), para darle ese halo de inspiración arcaicamente flamenco. Una obra que asombra ya no solo a amantes y entendidos del estilo; cualquiera que se preste a escuchar sentirá en sus carnes el “duende”.

Disco de la Semana (30/11/08)

El disco Kind Of Blue (1959) es el disco más afamado de Miles Davis y una de las grandes obras maestras del jazz. Una de esas obras increíbles que alcanzan la misma popularidad entre músicos, críticos y aficionados. En Kind Of Blue Miles Davis desarrolló el estilo modal que había iniciado en Milestones. Los temas se sustentan sobre escalas y no sobre acordes. Según las palabras del propio Miles "permite mucha más libertad ... y se convierte en un reto probar la capacidad de innovación melódica de cada uno." Según cuenta Bill Evans (pianista) en el texto del disco, "Miles concibió el esquema de las canciones sólo unas horas antes de las fechas de grabación." La improvisación correría por parte de los músicos tras unas breves indicaciones.

Sin embargo, más allá de la composición y la historia del disco, el resultado es lo que cuenta y la sonoridad de Kind Of Blue sorprenderá a aquel que lo escuche. Es un sonido aparentemente sencillo con un sexteto de altísimo nivel con nombres propios de la historia del jazz como John Coltrane (saxo tenor) o el propio Bill Evans (piano), además de Cannonball Adderley (saxo alto), Paul Chambers (contrabajo), Jimmy Cobb (batería) y Wynton Kelly (piano en #2). El jazz no es una música cerebral ni debe ser considerada elitista; es una música de improvisación, de conexión corporal y emocional. Quizás pueda sorprenderle a alguien la duración de las canciones; la mayoría está en torno a los nueve minutos durante los cuales los músicos van improvisando siguiendo un orden.

Os dejamos una interpretación en directo de la canción que abre el disco, So What, todo un clásico.