Disco de la Semana (30/11/08)

El disco Kind Of Blue (1959) es el disco más afamado de Miles Davis y una de las grandes obras maestras del jazz. Una de esas obras increíbles que alcanzan la misma popularidad entre músicos, críticos y aficionados. En Kind Of Blue Miles Davis desarrolló el estilo modal que había iniciado en Milestones. Los temas se sustentan sobre escalas y no sobre acordes. Según las palabras del propio Miles "permite mucha más libertad ... y se convierte en un reto probar la capacidad de innovación melódica de cada uno." Según cuenta Bill Evans (pianista) en el texto del disco, "Miles concibió el esquema de las canciones sólo unas horas antes de las fechas de grabación." La improvisación correría por parte de los músicos tras unas breves indicaciones.

Sin embargo, más allá de la composición y la historia del disco, el resultado es lo que cuenta y la sonoridad de Kind Of Blue sorprenderá a aquel que lo escuche. Es un sonido aparentemente sencillo con un sexteto de altísimo nivel con nombres propios de la historia del jazz como John Coltrane (saxo tenor) o el propio Bill Evans (piano), además de Cannonball Adderley (saxo alto), Paul Chambers (contrabajo), Jimmy Cobb (batería) y Wynton Kelly (piano en #2). El jazz no es una música cerebral ni debe ser considerada elitista; es una música de improvisación, de conexión corporal y emocional. Quizás pueda sorprenderle a alguien la duración de las canciones; la mayoría está en torno a los nueve minutos durante los cuales los músicos van improvisando siguiendo un orden.

Os dejamos una interpretación en directo de la canción que abre el disco, So What, todo un clásico.

Toots and The Maytals

Hasta ahora no habíamos abordado la música jamaicana pero con los Maytals sin duda esta cuenta queda, por el momento, saldada. El más puro reggae y el ska se entremezclan dentro de un ritmo acelerado y bailable que da lugar a todo un grupazo de rocksteady que todavía a día de hoy sigue al pie del cañón paseando su música por cada rincón de este mundo.

Este grupo, surgido en a mediados de los 60, se organizó ya en un principio en torno a la figura de Freferick Hibbert. Apodado como "Toots”, este jamaicano tuvo una infancia muy ligada a la música ya que cantaba gospel de niño en la iglesia; esta faceta suya se reflejaría años más tarde en sus composiciones. Atraído por el sonido tan particular del reggae jamaicano y del ska, Frederick comenzó a formar junto con Henry Gordon y Nathaniel McCarthy, una banda de Rocksteady que tenía un sonido que en ocasiones recordaba a los legendarios The Skatalites ya que algunos de los músicos de estudio de su primera productora, Studio One de Clement Dodd, pertenecían a la banda. Sin embargo la armonía original desarrollada por Toots con claras influencias del gospel desmarcó y destacó a la banda desde un primer momento.
A pesar de los constantes cambios en el campo de la producción, la banda gano varias ediciones del Jamaican Independence Festival Song Competition con canciones como "Bam Bam", "Sweet and Dandy" o "Monkey Man". Fue a raíz de estos éxitos como The Maytals se consagró localmente y empezó a ser conocido fuera de la isla, siendo "Monkey man" todo un éxito internacinal en 1970. Funky Kingstone (1973) o Reggae Got Soul (1975) son obras que pegaron muy fuerte en esta "epoca dorada" de la banda. Grupos tan conocidos como The Specials, The Clash y también Bob Marley con los Wailers, hicieron mención y versionearon canciones como "Monkey man", "Pressure drop" o "Punfy Reggae Party" respectivamente.

Mas tarde, con la llegada del reggae-punk y el auge del ska en Inglaterra en 1978-80, la banda sufrió un declive y llegó incluso a desaparecer. No obstante ya en los 90 se rejuntó para seguir extendiendo el fenómeno Rocksteady en sus incansables giras y con nuevas grabaciones como True love (2005) donde se remasterizan clásicos temas de la banda en compañía de grandes músicos de la talla de Keith Richards o Eric Clapton. En esta segunda etapa también versionaron canciones en tributo a otros artistas (como Let Down de Radiohead) y sirvieron de referente en otras ocasiones ya que su música siguió siendo versionada por multitud de bandas y fue utilizada en el cine e incluso en videojuegos.

Toots and The Maytals, un grupo jamaicano histórico que ha pasado sin pena y con gloria por infinidad de escenarios y ha sabido dejar huella en nosotros, quizás sin saberlo.

Stax por entregas (1); Otis Redding

Después de escribir acerca de Isaac Hayes vamos a seguir hablando de la gran música soul de la Stax. La compañía fue formada por los hermanos Jim Stewart y Estelle Axton -el nombre salió de combinar los dos apellidos-. A principios de los 60 Memphis se convirtió de nuevo en el centro de las transformaciones musicales. Stax proporcionó un estudio de grabación y una tienda de discos a la población de Memphis, sin distinciones raciales -un estado todavía marcado por la segregación-. "En Memphis durante los años 60 gente que no podía comer juntos en bares se juntaron para tocar música, música soul en un lugar llamado Stax". Si Motown tuvo más éxitos en las listas, melodías más cuidadas y arreglos más finos, Stax tuvo el funk y la fuerza; el alma.

La política familiar de la Stax se demostraba con la banda de estudio Booker T & the MG's -una formación instrumental con dos negros y dos blancos- que acompañaba a los cantantes solistas que iban entrando. Otis Redding se convirtió en la gran estrella de la Stax por su talento interpretativo y capacidad de transmisión. Es curioso recordar la historia de Otis en la Stax: llegó un día descargando el equipo y como chofer del grupo Johnny Jenkins & the Pinetoppers. Durante la sesión el batería Al Jackson le dijo Steve Cropper (guitarrista): oye, ¿sabéis el chico que conducía? Me está dando la lata para que le oiga cantar. ¿Lo escucharías cantar para que me deje en paz? Algunos músicos ya se habían marchado y otros estaban cansados pero Otis había estado esperando hasta el final y le dejaron cantar. Steve Cropper cuenta que Otis dijo que tocaran acordes de iglesia y que empezó a cantar These Arms Of Mine y se quedó impresionado por su forma de cantar. Otis Redding murió a los 26 años, el 10 de diciembre de 1967 en un accidente de avioneta. No pudo ver el éxito de Sittin' at the dock of the bay, su primer número uno. Esta canción marcó un cambio de estilo que el mismo definió como folk-soul.

Os dejamos un vídeo en directo de Try a little tenderness. Es una canción que empieza lenta y que acaba con gran fuerza. También uno de Sittin' At The Dock of the Bay, su canción más conocida. Además, vale la pena escuchar otras como Hard to handle, Shake, Mr.Pitiful, Respect o su versión de Satisfaction.

Historia Musical: Tal día como hoy...(20 de noviembre)

Tal día como hoy de 1971, la canción Theme From Shaft de Isaac Hayes alcanzó el puesto #1 el Billboard Hot 100 en el que permanecería dos semanas. Shaft fue una película blaxploitation en la que Isaac Hayes se encargó de la banda sonora. El proyecto estaba relacionado con el movimiento de Black Power; el director era negro (Gordon Parks), el protagonista también (Richard Roundtree) y el compositor también. La banda sonora de Isaac Hayes le convirtió en el primer negro en conseguir un Oscar. El tema de Shaft incluía un sonido de guitarra wah-wah característico y unos arreglos sinfónicos que se mezclaban con el funk y el soul del sello Stax.

Para entender mejor la figura de Isaac Hayes conviene retroceder un poco más en el tiempo. Hayes empezó como músico de estudio y compositor y productor en la compañía discográfica Stax -junto con Motown la compañía más importante de música soul-. Como compositor Hayes trabajaba normalmente con su compañero David Porter y juntos produjeron algunos de las mejores canciones de Stax como Hold On I'm Coming, Soul Man o You don't know like I know que popularizarían Sam & Dave. Poco a poco, Hayes empezó a participar en grabaciones como pianista o teclista de cantantes como Otis Redding o los propios Sam & Dave. Tras la muerte de Otis Redding y el regreso de Sam & Dave a Atlantic la Stax se quedaba sin sus principales estrellas. El buen trabajo de Hayes y las circunstancias de la compañía le dieron la posibilidad de publicar un disco a su nombre. Sin embargo, Presenting Isaac Hayes (1968) fue un fracaso comercial. Hayes estaba desarrollando entonces un nuevo concepto del soul distinto. Si Soul Man (2:36) o Hold On I'm Coming (2:30) eran canciones cortas, de estribillo marcado y muy rítmicas, sus nuevas canciones eran radicalmente distintas. Su siguiente álbum Hot Buttered Soul (1969) lo demostró y llegó a ser un éxito. El título ya resulta muy significativo. Hayes desarrolló para sí mismo una idea del soul nueva y evolucionada que se adaptaba a sus características como intérprete. Su sonido atmosférico está marcado por arreglos orquestrales, órganos, trompetas y por su grave voz. En Walk On By transformó la canción de Dionne Warwick en una exploración de 12 minutos. Isaac Hayes no era un gran cantante y se especializó en crear atmosferas sugerentes y atractivas y en utilizar su registro de voz para casi recitar. Sus canciones están, a menudo, cargadas de erotismo; le gustaba pensar que la gente hacía el amor escuchando su música.

A partir de Hot Buttered Soul, Isaac Hayes fue convirtiéndose en un líder y un icono del soul. Una especie de profeta que recibió el nombre de Black Moses (Moisés Negro) y lo utilizó como nombre de uno de sus discos. Como artista consagrado, el éxito definitivo le llegó con la banda sonora de Shaft y el Oscar. Áños después Hayes llegó a pasar malas rachas pero se convirtió en un personaje público. Trabajó en televisión (también en un capítulo de El Equipo A), participó en campañas benéficas y puso voz al personaje del Chef -también negro- de la serie South Park.

Isaac Hayes murió el pasado agosto a los 65 años en su casa de Memphis. Desde aquí le recordamos, sobre todo por su faceta como músico. Sus composiciones durante la primera época de Stax son fantásticas y su desarrollo del Soul dinamizó los setenta llevándolo a otros parámetros musicales que influyeron en el funk, incluso en la aparición del rap; en la música negra en general.

Do The Evolution

Os dejamos el fantástico videoclip de Do the Evolution, la canción de Pearl Jam. El vídeo fue animado por Kevin Altieri que dirigió la serie animada de Batman entre otros trabajos. Para los que no conozcan a Pearl Jam, son una banda de rock de Seattle líderes del movimiento grunge de principios de los 90. En este vídeo aparece la letra de la canción subtitulada en castellano. Trata de la evolución del ser humano haciendo un repaso histórico particular. Se incluyen todo tipo the imágenes en una reflexión acerca del ser humano y su comportamiento. Lo mejor es que veáis el vídeo y lo comentéis si quereis.

Disco de la semana 18-11-08

"Vengue" fue el debut discográfico del conjunto barcelonés Ojos de brujo, formado oficialmente en 1996. Éste integraba una agrupación de grandes músicos pertenecientes a la escena local de jam sessions de Barcelona, que encontraron en Marina "La canillas" voz e imagen para el conjunto. A pesar de que este encuentro se produjo en la isla de Formentera, el grupo se trasladó a Barcelona donde fijó su hogar. Desde ahí desarrollaron un arte vacilón y callejero a través de la rumba de Barcelona iniciada ya por Peret. De hecho en homenaje a este, editan una canción en colaboración con el llamado "rey de la rumba".

Este grupo de flamenco-fusión ya desde su inicio trató de mezclar el puro estilo con mucha percusión (de todo tipo), reggae, pinceladas de hip hop y también algo de electrónica con la incorporación de un dj que mezcla en este álbum a la perfección bases y scratchin' con rumbas, tangos y soleares. "Vengue" se trata de "duende" en caló (lengua gitana) y es así como el pueblo gitano llama al estado artístico, prácticamente un trance pasional, en la interpretación del flamenco. Un nombre muy acertado para este disco que emana pasión y arte. No obstante, fue en directo donde el grupo tenía más gancho y fue gracias a esto por lo que empezó a correr la voz prácticamente de boca en boca. Un rumor que hoy es ya toda una realidad.

"Abbey Road"

"Como en los viejos tiempos", así es como Paul McCarney se dirigió a George Martin (productor). Recuperar el espíritu Beatle con el objeto de grabar un ultimo disco. Esa era su intención; y sin duda lo consiguió. Este álbum de los Beatles es todo un referente musical. Grabado y editado en 1969 se convirtió en la última obra del grupo británico como conjunto ya que Let it be fue grabado con anterioridad a pesar de su posterior publicación. En este álbum la partición a doble cara se da necesariamente ya que pretende reflejar la diferente manera de pensar, a la hora de componer, de Lennon y McCartney.

En la primera cara hay grandes canciones de la banda como son "Come toghether" o "I want you (She's so heavy)" junto con grandes baladas como "Oh! darling" (McCartney) o"Something" (compuesta por Harrison). En esta primera cara se dan temas independientes y muy diferentes musicalmente hablando, contentando así las aspiraciones de Lennon; se incluye tambien un tema compuesto por Ringo Starr, "Octopus Garden" en el que Harrison también intervino o colaboró en su composición. En la intrumentación se destaca inclusión de nuevos instrumentos como teclados acústicos, organos o sintetizadores.

Es la segunda cara la que, al menos personalmente, se cree la mejor segunda cara de la historia. Hay que reconocer que es mas interesante de escuchar por los enlaces que, a traves de puentes musicales en gran parte compuestos por McCartney, se hacen entre los diferentes temas. Temas que en ocasiones se tiñen de nostalgia y de pesimismo como en "Because" (Lennon) que, inspirado en el Claro de Luna de L.V. Beethoven (sonata para piano Nº14) y con la voz de Lennon doblada, al enlazar con "You never give me your money" da todo un ejemplo de inteligencia y maestria musical. Ya no se trata de si sus temas tiene gancho o son insipidos. El hecho es que los temas son para quitarse el sombrero y los enlaces entre estos simplemente para deleitarse, saben lo que toca y cuando toca. Una vez más no queda otra que admirar a los de Liverpool.

Janis Joplin

Puede que algunos hayáis echado en falta alguna otra mujer además de la vocalista de Jefferson Airplane, Grace Slick. Janis Joplin es sin duda una de las grandes cantantes de la historia y de los grandes referentes de los 60. Fue la primera mujer blanca considerada estrella del rock n roll y un símbolo de la contracultura de los 60. El estilo de Janis Joplin está asentado sobre el blues con grandes influencias de cantantes como Bessie Smith y de la onda psicodélica.

Igual que Jim Morrison (vocalista The Doors) y Jimi Hendrix, Janis murió a los 27 años tras una sobredosis. Seis semanas después de su muerte salió el disco Pearl que se convirtió en uno de sus discos más emblemáticos. Janis ya había grabado todas las canciones menos Buried Alive in the blues que se mantuvo sin voz. Además, la música de Mercedes Benz tampoco se había grabado todavía; decidieron dejarla así sólo con la voz de Janis.

Algunas de sus canciones más destacadas son Piece Of My Heart, Cry Baby, Me and Bobby McGee, Mercedes Benz, Summertime (transformación de la composición de Gershwinn) o Maybe entre otras. Sin embargo, vale la pena profundizar en su trabajo o escuchar ádemás del citado Pearl (1971) discos como Cheap Thrills (1968) e incluso, como forma de aproximación, algún recopilatorio extenso.

Si el rock no se ha caracterizado históricamente por la incursión de cantantes femeninas como sucede en el blues o el jazz, Janis Joplin es un ejemplo del rock sesentero y una referencia para muchos otros artistas posteriores. Podemos ver su enorme fuerza, potencia y pasión en sus actuaciones en directo.

El primer vídeo es de Piece of my heart y el segundo el casi tenebroso arreglo de Summertime, un standard de jazz convertido en un hipnótico canto.

Por último, queremos recomendar una versión de Me & Bobby McGee. Fue compuesta por Kris Kristofferson y, aunque a veces se le atribuye a Janis porque la hizo famosa, la han interpretado distintos intérpretes como el propio Kris Kristofferson, Johnny Cash, Dolly Parton o Jerry Lee Lewis además de la cantante Pink o Loquillo. Además de la cantada por Janis, recomendamos la versión al piano de Jerry Lee Lewis. Como todo lo que toca, la hace suya y el resultado es una pieza marca de la casa. Más rítmica y menos melódcia; ver a The Killer es un espectáculo.

http://www.youtube.com/watch?v=KDevnAeoyqI&feature=related

Rock Psicodélico de los 60

Nos habían preguntado en un comentario por alguna referencia a The Doors. Bien, os dejamos unos cuantos vídeos de grupos que formaron parte del Rock Psicodélico de los años 60. Sin ánimo de ser exhaustivos, esperemos que disfrutéis con la música.

El primer vídeo es el éxito de Jefferson Airplane; Somebody To Love con la cantante Grace Slick.

La siguiente canción es A House Is Not A Motel del grupo Love. La canción está incluida en su álbum más famoso, Forever Changes (1967). El grupo y este disco en particular han pasado a considerarse música de culto. En el momento de su publicación el éxito de Love fue relativo eclipsado por grupos como The Doors o Jefferson Airplane pero su música ha adquirido mayor reconocimento con los años. Puede ser un buen descubrimiento para aquellos que no lo conozcan.

Aquí tenemos el tema Voodoo Chile de Jimi Hendrix.

Os dejamos también House Of The Rising Sun, la famosa canción de The Animals. Los incluimos pese a no ser considerados banda psicodélica estrictamente. Fueron un grupo fundamental en lo que se llamó la Invasión Británica. Por su sonido, estética y uso del teclado están emparentadas con los grupos anteriores.

Y por último, colgamos Light My Fire; uno de los máximos éxitos de The Doors incluido en su primer disco The Doors (1967). Esta es una versión larga con muchos minutos instrumentales en los que se puede ver cómo eran The Doors. No vale la pena acudir a la versión cortada hecha para sacarla como single.

Muere Miriam Makeba, la Mamá de Africa

Miriam Makeba falleció la madrugada del lunes a los 76. Para aquellos que no la conozcan, o crean no conocerla, diremos que fue una de las cantantes africanas por excelencia; una mujer luchadora que denunció el apartheid de su Sudáfrica natal y se comprometió en la lucha por los derechos civiles. Tras conocer la noticia Nelson Mandela se lamentaba: "Era la primera dama de la canción sudafricana y merecía el título de Mama África. Era la madre de nuestra lucha y de nuestra joven nación." Musicalmente combinó la canción africana tradicional con el jazz y con estilos occidentales. Os dejamos un artículo que recoge historias de su apasionante vida y un par de enlaces de su gran éxito, el conocido Pata Pata. Seguro que podréis tararearla.

http://www.youtube.com/watch?v=kCc61z9IFu4

Este vídeo es del 2007. Makeba tenía 75 años.

http://www.youtube.com/watch?v=L6w1u8o9ZBc&feature=related

Disco de la semana (10-11-08)

Tres guitarristas reconocidos, Al Di Meola, John McLaughlin y Paco de Lucia, son los responsables de este disco. Una obra donde el flamenco más puro cobra cuerpo electroacústico gracias a la combinación de estos maestros de las seis cuerdas. Grabado la noche del 5 de Diciembre de 1980 durante un directo (de ahí el título Friday Night in San Francisco) estos tres genios, conocidos como el "Guitar Trio", se puede decir que llegan a dialogar musicalmente en clave de blues, jazz y como no, tambien flamenco gracias al personal e intransferible toque de Paco. Se recomienda una escucha integra y atenta de estos locos contertulios.

Yann Tiersen y Amélie Poulain

Seguramente una película tan evocadora como es Le Fabuleaux destin d'Amelie Poulain no hubiera conseguido ese espíritu francés de no ser en parte por las composiciones que el compositor francés Yann Tiersenn dedicó a este filme. La obra del compositor le da sin duda la puntilla para acabar de ambientar e impregnar al espectador de ese contexto parisino del que se jacta la película.
Son temas cantados y tonales, nada de cosas raras, pero que desde luego saben cautivar tanto a aquel que este dispuesto a escucharlo como al que no. Una música que tiene un cariz diferente, un atractivo especial que se hace patente nota a nota; unas veces a través de melodías casi de vals y otras a través de el cálido arpegiado de un piano. En la composición de sus temas se refleja contundentemente la formación en piano y violín que el compositor recibió desde su infancia, aunque si por algo se caracteriza este compositor es por ser un multi-instrumentista virtuoso ya que destaca también en el manejo del acordeón, el banjo, el violonchelo o el “toy-piano”, así como la guitarra eléctrica ya fuera de su música para el cine.
Es cierto que fue el cine quien le dio alas al compositor y que fue a través de la fama mediática que tuvo la película como pudimos descubrir a este gran músico. Autor también de la B.S.O de Good bye, Lenin!, su música siempre añade un toque artísticamente nostálgico que hace ganar mucho a la película hasta tal punto que su talento a la hora de acompañar musicalmente unos planos ha sido masivamente reconocido. No obstante basta con echar la vista atrás en los archivos para darse cuenta que no solo gana acompañado de imagen, que su música es evocadora ya de por sí y que su estilo a la hora de componer hacen de él un compositor único. Una música diferente obra a obra que sin embargo le sigue siendo fiel a un patrón, o más bien “sentimiento”, que desde su primera obra Le Vals des Monsters se ha podido entrever. Un “sentimiento” que sin duda queda mejor descrito en su música. Disfrútenlo.

http://www.youtube.com/watch?v=9vopaDE_9aE

http://www.youtube.com/watch?v=Hm0g5trWV9c&feature=related

Historia Musical: Tal día como hoy... (9 de noviembre)

Tal día como hoy de 1941 nació Tom Fogerty. Tom formó junto con su hermano John el grupo Creedence Clearwater Revival, uno de las bandas americanas más populares en durante los 60. Ocupó un papel secundario porque su hermano John fue el líder del grupo -cantante y guitarra solista- pero Tom se encargó de la guitarra rítmica, el piano y los coros; la Creedence fue un banda de dos hermanos. De hecho, las tensiones creadas entre los miembros de la banda fueron por el mayor peso compositivo que adquirió John. Tom fue el fundador del grupo que al principio se llamaba Tommy Fogerty & The Blue Velvets. Al final, Tom dejó el grupo para comenzar su carrera en solitario con el disco Tom Fogerty (1972) que no tuvo demasiada repercusión. En 1990 Tom falleció por fallos respiratorios derivados de una tuberculosis y anteriormente contrajo el sida durante una operación quirúrjica.
La Credeence Clearwater Revival creó un sonido propio a partir del rock n roll, el blues y el country que se denominó swamp rock, rock pantanoso. Todo el mundo ha escuchado, quizás sin saberlo, algunas de sus canciones como Who'll stop the rain, Rockin' all over the world -versioneda por en castellano Platero y tú- , Have you ever seen the rain o Proud Mary. Algunas de sus canciones han sido utilizadas en famosas bandas sonoras para el cine como Fortunate Son (Forrest Gump; The Manchurian Candidate), Suzie Q (Apocalypse Now) o Lookin' out my back door (El Gran Lebowski) entre otras.
Os dejamos un video en directo de Proud Mary. Es todo un clásico que han versioneado Ike & Tina Turner o Los Rebeldes entre otros.

Entrevista Robe Iniesta

Aquí tenéis una breve entrevista a Robe Iniesta, el cantante de Extremoduro, publicada en la revista Rolling Stone de este mes de noviembre. La entrevista no está mal aunque quizás con otras preguntas hubiera sido más interesante. De todas formas, además de hablar sobre el disco La Ley Innata -del que colgamos nuestra visión particular- habla un poco sobre política.

Siempre Back In Black

Modificamos esta entrada porque tras seguir indagando acerca de esta versión de Back in Black hemos encontrado foros en los que se afirma que no se trata de Bon Scott. Alegan que es una verisón incluida en un disco de homenaje al propio Bon Scott por parte de varios grupos. Lo que ocurre es que al acudir al tributo Bon Appetite - Tribute to the Bon Scott Years of AC/DC la canción Back in Black no está. Así, que todavía no sabemos de donde ha salido la versión; no por ello el resultado deja de ser buenísimo.

------

En la revista Rolling Stone de este mes de noviembre viene publicada una lista con una selección de las 50 mejores canciones heavy de la historia. En el puesto 18 han situado la canción de AC/DC Back In Black. De ella dicen: "Uno de los temas más versioneados de AC/DC (hasta Shakira se ha atrevido con él) para el disco multimillonario de la banda, con la personal voz de Brian Johnson como novedad (aunque todavía circula la leyenda negra de que Bon Scott dejó una versión antes de morir)." Lo que nos sorprende es que califiquen de leyenda negra la versión de Bon Scott cuando esa lleva ya tiempo circulando por Internet. Esta versión rara no sólo tiene el aliciente de escuchar al cantante original de AC/DC sino también una introducción demoledora que por algún motivo que no entendemos se omitió en la versión definitiva.
Bon Scott murió después del disco Highway to hell (1979) y el grupo decidió buscar a otro cantante; el camionero Brian Johnson fue el mejor sustituto y Back in Black (1980) se convertiría en uno de los discos más vendidos de la historia del rock. Lo curioso es que, a menudo se le atribuye al título del disco un componente de luto por la muerte de Bon Scott que queda desmentido por la existencia de la versión que comentamos.

En fin, lo mejor es escucharla porque si te gustaba back in black, ahora te gustará más y te quedarás sorprendido.

http://www.youtube.com/watch?v=wXiWCSTo-lk

Os dejamos tambíen la versión de Shakira en directo. Le falta fuerza pero trata de suplirlo con mucha sensualidad.

http://www.youtube.com/watch?v=T1uM-Inv1tU

Disco de la semana (3/10/08)

El primer disco de Elvis para RCA fue el primer álbum de rock en llegar al número 1. Incluye éxitos como Heartbreak Hotel o Blue Suede Shoes. También versiones de canciones de R&B de artistas negros como I got a woman (Ray Charles), Tutti Frutti (Little Richard) o Money Honey (Jesse Stone) y standards de country y pop. Este disco ayuda a comprender el rock n roll; combina blues, rockabilly y country. Es una buena muestra de la que seguramente fue los mejores años de Elvis. La célebre portada fue homenajeada por The Clash en su portada de London Calling.

Disco de la semana (27-10-08)

Este álbum de Pata negra se lleva sin duda el protagonismo de la sección. Una obra maestra que consigue combinar rumba flamenca y blues gracias a la maestría de los hermanos Rafael y Raimundo Amador. Con un tema dedicaco a Camarón de la Isla y siguiendo su personal estilo de "blueslería" se crea un disco que sin duda ha marcado tendencia dentro el panorama flamenco-fusión

Kitty, Daisy & Lewis

Hoy hablamos de este grupo que nos ha sorprendido con el disco A to Z: The Roots Of Rock n Roll (2007). Como dice en su portada, estos tres hermanos de 15, 17 y 19 años conjugan estilos clásicos como el boogie woogie, el blues, el rockabilly o el swing con un sonido vintage que recuerda a las grabaciones del mítico sello Sun Records. Tienen una capacidad musical increíble ya que entre los tres tocan diversos instrumentos con naturalidad; el piano, acordeón, guitarra, steel guitar, ukelele, armónica, trombón y batería. Estos muchachos son de londres y han grabado el disco en un estudio casero montado a base de compra de equipos vintage por internet.

Parece ser que existe cierta tendencia de recuperación de géneros y, igual que ha sucedido con el Soul, estos tres hermanos -con la ayuda de sus padres que han tocado con ellos- han rescatado el sonido clásico del rock n roll que parece llegar con fuerza. El disco incluye piezas como Going Up The Country de Canned Heat y Got My Mojo Working de Muddy Waters. Más allá de sus edades y de su precocidad musical difícilmente asimilables, las canciones son de éxito seguro entre aquellos amantes del sonido de los 50.

www.myspace.com/kittydaisyandlewis