En-clave de Glass

"Stand by me" sin fronteras (impresionante)

2009-01-18T12:44:00.000-08:00

Aquí os dejamos este curioso fragmento del documental “Playing for Change: Peace Through Music”de Mark Johnson y Jonathan Walls. Más de 100 músicos de diferentes nacionalidades interpretan el archiconocido"Stand by me" de Ben E. King. Artistas callejeros de todo el mundo, desde Santa Monica a Amsterdam o Rusia, interpretan este temazo con ánimo de lanzar un mensaje de paz y hermandad entre culturas. El montaje esta realmente conseguido asi como la combinación de estilos y formas musicales. Todo un logro visual y musical. Ver para creer.

Norah Jones

2009-01-18T11:12:00.000-08:00

Un tacto suave y una voz más que íntima. Esta ha sido la clave del éxito para esta pianista y cantante de jazz norteamericana. Convenció en su día al reputado sello discográfico Blue Note y ha conseguido convencer y cautivar, sin demasiada publicidad o impacto mediático, a un gran público. Fue su segundo trabajo "Come with me" el que marcó una incidencia dentro del panorama musical en USA y al cabo de un tiempo en el resto del mundo, llegando a vender más de dieciocho millones de copias de este trabajo. Un álbum que también recibió el reconocimiento profesional en los Grammy de 2003 al conseguir ocho estatuillas, entre las que se incluye por supuesto la de artista revelación.

Norah lleva un estilo muy jazzy pero que incorpora en sus melodías mucha nostalgia e intimismo (tonal). Sus temas se inspiran en la música de grandes del blues y del jazz como Ray Charles, Bill Evans, Duke Ellington o Etta James. Acompañada de una formación muy clásica (contrabajo, bateria y guitarra rítmica) integrada por excelentes músicos del sello discográfico, su voz se atreve con todo y se ha convertido ya en todo un referente. Ha versionado y adaptado temas de Duke Ellington, como la canción para la que ella escribió las letras y la re-tituló con el nombre de "Don’t Miss You At All", y también ha colaborado con artistas tan reconocidos como Herbie Hancock en "Court and Spark", tributo a Joni Mitchell.

De hecho la cantante y pianista hace su debut cinematográfico en la ultima obra de Wong Kar-Wai "My blueberry nights". Norah Jones es hija del prestigioso músico indio Ravi Shankar, creador de bandas sonoras (entre otras, de la trilogía de Apur obra de Satjajit Ray) por lo que la relación entre música y cine no le resulta desconocida. Es así como esta jovencísima artista ha compuesto el tema con el que se abre y cierra la película. Al mas puro estilo Norah Jones, nos encontramos con un tema tranquilo y relajado que derrocha sensualidad y elegancia. No hay más que verla en directo para empezar a "creer" en su voz.

Disco de la semana (18-1-2009)

2009-01-18T10:41:00.000-08:00

Este cantaor onubense ha publicado un album con el que por fin a logrado meter cabeza. Y es que esta fusión de flamenco y soul da un resultado de lo más sorprendete y logrado. El disco contiene versiones a caballo entre el flamenco, el soul y el pop de temas tan populares como ‘Yersterday’, para lo cual ha grabado hasta con un coro de gospel en Londres. Pero también tiene mucho cante tradicional por lo que no se trata de un disco versionado sin más sino que se reinterpreta y reinventa el genero soul a su estilo, estilo Pitingo. Este segundo disco arranca con una versión de "killin' me softly" que no lleva tanto aire flamenco pero si se puede apreciar ya desde el principio en la guitarra algun ramalazo de pasión flamenca. Sin embargo a medida que se avanza en las pistas entran piezas con más "duende" y menos soul. En colaboración con Juan Carmona encontramos temas ya en géneros muy flamencos como una soleá de Fernanda de Utrera, una taranta con Juan Habichuela, unos tientos de La Niña de los Peines, una trilla o unos fandangos de Marchena. A fin de cuentas, un trabajo soprendentemente recomendable.

Bebo Valdés y el Cigala

2009-01-18T10:11:00.000-08:00

Aquí os dejamos con "Lágrimas negras", la canción popular compuesta en los años 30 por el cubano Miguel Matamoros (1894-1971) e interpretada en este caso por estas dos grandes figuras del cante y de la tecla. Sin duda esta colaboración se ha forjado sobre el entendimiento de dos generaciones y dos estilos. Sobre el entendimiento entre dos grandes músicos que vieron en su unión una oportunidad artística más que enriquecedora. El resultado es el disco del mismo nombre ("Lágrimas negras") donde un pianista cubano de 84 años y un cantaor español 50 años más joven desarrollan un estilo muy pasional con un aire "vacilón". El álbum contiene nueve canciones que son clásicos ("Corazon loco" o el tango de "Veinte años atrás" entre otros), con la participación de músicos de primerísima fila. Escuchen, vean y disfruten.

Disco de la Semana (10-01-09): Bob Marley & The Wailers - Survival (1979)

2009-01-10T06:20:00.000-08:00

Publicado tras sus mayores éxitos comerciales –Exodus (1977) y Kaya (1978)- el álbum Survival es, sin duda, uno de los más completos de la carrera discográfica de Bob Marley por su compromiso y profundidad temática y musical. Incluso antes de escuchar la grabación el título, la portada -formada por banderas africanas- y la contraportada, que incluye la cita de Marcus Garvey “A people without the knowledge of their past history, origin and culture is like a tree without roots”, hacen intuir el carácter especial del disco. Survival iba a llamarse The Black Survival pero se acortó para evitar polémicas y malentendidos dejando el componente negro fuera del título aunque siguió siendo esencial en el álbum. Además, Survival fue el primer disco para Island que no incluyó un tema de periodos anteriores del jamaicano.
La carrera de Bob Marley estuvo marcada por el tiroteo sufrido en su casa el 3 de diciembre de 1976. Bob se exilió en Londres donde grabó las canciones que formarían Exodus y Kaya en un ambiente más seguro y anónimo. Había alcanzado una gran madurez compositiva y supo realizar unas grabaciones magnificas de las que saldrían dos discos con canciones de temática muy variada. Recuerda las causas de su exilio en varias canciones como So much things to say, Guiltiness, y la propia Exodus además de en Running Away (Kaya) y Ambush In The Night (Survival). Pero también compone canciones de amor que se convertirían en éxitos definitivos como Is This Love o One Love y temas bailables y desenfadados como Jamming.
La autenticidad de la música de Bob Marley & The Wailers se percibe con facilidad porque desprende un aroma cálido de bienestar, de tierra humilde y porque su fraseo y sus palabras –escritas con una lírica sencilla y precisa- parecen adquirir más contundencia y actualidad cada día. Survival se fragua con la vuelta de Bob a Jamaica. Una vuelta al origen, a la raíz, al principio: a África. Un manifiesto panafricano de unión, fraternidad y levantamiento frente al mundo rico y blanco de Babylon. Junto a la inicial So much trouble in the world que actúa como prólogo, quizás las canciones más emblemáticas de Survival son las que forman la parte media del disco: Babylon System, Survival y Africa Unite. Incluso parecen seguir un hilo argumental. Babylon System es una denuncia amarga y un ataque directo al sistema impuesto y a sus instituciones. Survival son tres minutos y medio de levantamiento negro. Es desenfadada y alegre pero también mordaz, urgente y necesaria. Africa Unite parece querer llevarnos al final del camino. Es una canción idealista que apela a la unión africana y rasta y a la satisfacción que supondría alcanzarla. Además, también son destacables canciones como Zimbabwe y Ride Natty Ride. La primera conmemora la lucha por la independencia en Zimbabwe. El grupo fue invitado por el nuevo gobierno para tocarla en la ceremonia de independencia. Por su parte, Ride Natty Ride es una historia de rabiosa actualidad sobre un trabajador explotado al servicio del poder. Las canciones de Bob son muchas veces de denuncia pero nunca victimistas, ni derrotistas, ni siquiera tristes. Siempre hay una vía de liberación, de lucha y descreimiento de los valores aceptados.
Refiriéndose a Bob Marley, Chris Blackwell (productor del grupo desde la preparación de Catch A Fire -1972- ) escribió: “cuando un artista es realmente excepcional suele rodearle un tipo especial de energía.” Nacido de madre negra y padre blanco inglés, Bob Marley sigue teniendo el aura mística que le llevó a convertirse en un líder espiritual y popular para muchísima gente, además de en un defensor de la causa africana. Su figura ha llegado a nuestros días convertida en icono; icono de la marihuana, del movimiento rastafari e incluso del merchandising. Bob es todo eso pero su complejidad va más allá. Es necesario escarbar y sumergirse en su obra plagada de amor, alegría, rebeldía, denuncia, liberación, redención, mitología… Si todos escuchásemos a Bob Marley & The Wailers y dejáramos que su música alcanzara nuestras entrañas, los días serían más relajados; el mundo sería más pacífico y la vida sería más alegre.

Platero y tú - Desertor

2009-01-10T03:05:00.000-08:00

Hoy os dejamos con un vídeo fantástico de Platero y tú. La canción es Desertor, toda una muestra de rock con un "duelo" guitarrero entre Fito y Iñaki Antón. Para quien ande un poco despistado, antes de emprender su carrera en solitario, Fito tocaba con Platero y tú. Por otra parte, Iñaki es actualmente el guitarra solista de Extremoduro. Llegó a coincidir con los dos grupos produciendo y tocando la guitarra.

En todo caso, Platero y tú fue una de las grandes bandas de rock n roll que hemos tenido. Os dejamos con Desertor, un tema no muy conocido pero que vale la pena escuchar y observar en el vídeo. Son imágenes de un concierto en la Sala Canciller de Madrid de la gira del disco 7 (1997). Parte del concierto ya circulaba por internet y en el 2005 se edito como parte del recopilatorio Hay Mucho Rock n Roll Volumen II.

Sin duda lo mejor de la canción es la música, la coordinación de los dos guitarristas y todo lo que sucede a partir del minuto 2. Esperemos que os guste.

Disco de la semana (4-1-09)

2009-01-04T07:50:00.001-08:00

Este disco, editado en 1992, posiblemente incorpore los temas más conocidos por el público ya que fue en su día todo un éxito comercial, al igual que lo fue su gira de presentación junto a Juan Perro donde también participó Raimundo Amador (componente de la antigua formación Veneno junto a Kiko y su hermano Rafael Amador). De hecho que este veterano del cante pudiera dedicarse por entero a la música fue fruto de este éxito comercial; da que pensar teniendo en cuenta la extensa carrera musical iniciada ya en el 75 junto a los hermanos Amador.
Más allá de su éxito comercial, cabe destacar que los temas que integran el disco forman una imagen ya más consagrada del estilo de este artista. Temas como "En un Mercedes Blanco", "Joselito" o "Echo de menos" son esta "esencia" de Kiko, tan presente en el disco Veneno (1977) el primer trabajo junto a los hermanos Amador que supuso toda una revolución musical de guitarras callejeras. La música Echate un cantecito se desenvuelve en un rollo muy rumbero pero que engloba todo tipo de influencias, lo que da fe de la extensa trayectoria musical de Kiko en la que tienen cabida la influencia de artistas casi de mundos diferentes como Frank Zappa, Bob Dylan o Camarón de la Isla (con quién colaboró en el archiconocido álbum de La leyenda del tiempo). Por momentos sus letras están cargadas de ironía y doble sentido y su propio encaje dentro de la música dan lugar a temas con mucho contratiempo y fuerza. Toda una muestra de esta "esencia" suya.

Vicente Amigo

2009-01-03T08:22:00.001-08:00

La guitarra de Vicente Amigo sea posiblemente una de las más reconocidas dentro del mundo del flamenco y a su vez toda una desconocida para muchos. Este sevillano de nacimiento y cordobés de sentimiento ha crecido y evolucionado junto a grandes figuras del flamenco como José Mercé, Juan Muñoz (El Tomate) o el mismo Camarón con quien colaboró en su disco “Soy Gitano” en 1989. Esta convivencia tan enriquecedora ha de sumarse a los numerosos festivales y eventos en los que ha participado acompañado de otras grandes figuras y guitarristas de renombre como
Keith Richards, Bob Dylan, Sting, John McLaughlin o Al DiMeola.

Sobra decir que este cúmulo de experiencias ha supuesto un gran aliciente en su carrera y que su depurada técnica se ha visto tiznada, en mayor o menor medida, por la influencia de todos estos compañeros de fatiga. En este sentido su labor como compositor se centra en un flamenco no muy arcaico; novedoso en muchos aspectos y con melodías suaves y cálidas que incorporan en ocasiones muchos referentes musicales del jazz. Es un artista puramente flamenco pero abierto y cercano ya que en su música se entremezclan arrebato y nostalgia de una forma exquisita, de “su forma”. Esta “forma” suya a menudo se sirve de versos de poetas andaluces (él mismo reconoce su pasión por la poesía de Lorca) como se ejemplifica en su homenaje a la obra de Rafael Alberti; “Concierto flamenco para un marinero en tierra”.

A pesar de que en su carrera como artista no faltan galardones (Grammy Latino al mejor Disco de Flamenco en 2001, mejor guitarrista flamenco por la revista Guitar Player en 1993, dos Premios de la Música en 1998 y 1999 y un Premio Ondas en 2002) al fin y al cabo es todo un “desconocido” que sin duda merece ser escuchado no solo por su buen gusto a la hora de deleitar al oyente sino porque puede abrir muchas puertas y acercarte, quizás sin quererlo, al mundo del flamenco.

Os dejamos con "Tres notas para decir te quiero", un tema de Ciudad de las ideas. Disfrutalo :)

Disco de la semana 26-12-2008

2008-12-26T08:49:00.000-08:00

La tan aclamada reina del soul ha querido desear a todo su público unas felices fiestas con la publicación de su nuevo disco "This Christmas". Se trata de una recopilación de algunas de las canciones populares de navidad mas entrañables para la cantante. “Angels”, “The Lord will make a way” o “Ave María" son algunos títulos de esta nueva obra de la vocalista norteamericana que a sus 66 años ya se desenvuelve como toda una reina, con la entereza propia de una extensa carrera que la consagró ya en los 60 como la voz femenina del soul.

Describe su nuevo trabajo como un ensayo autobiográfico ya que según ha apuntado la artista "son las canciones favoritas la familia". Recordemos que fue su madre, Barbara Franklin, la que la inicio en el mundo de la música a traves del gospel y el piano por lo que esta obra en parte refleja el sentimiento mas íntimamente familiar de la cantante. Para aquellos que les interese, el disco se encuentra disponible sólo en tiendas virtuales de Borders y Waldenbooks

Stax por entregas (4): Eddie Floyd

2008-12-24T14:32:00.000-08:00

Continuamos las entregas de Stax con otro gran artista del sello, Eddie Floyd. Por detrás de Otis Redding y Sam & Dave, situamos a Eddie Floyd que gracias al éxito de Knock on Wood, la canción que escribió junto a Steve Cropper, se ha hecho célebre hasta nuestros días. Knock On Wood es uno de los grandes clásicos de la historia del soul que más tarde interpretarían multitud de artistas como el propio Otis Redding, Ella Fitzgerald, David Bowie o Toots & The Maytals. Sin embargo, aunque consideremos Knock On Wood como la principal aportación de Eddie Floyd tuvo otros éxitos menores pero muy destacables como Big Bird, Raise Your Hand, 634-5789 o California Girl.

Antes de comenzar su carrera en solitario, Eddie Floyd fue cantante y miembro fundador de The Falcons, grupo en el que coincidió con el también gran soul man Wilson Pickett. Recientemente, Eddie ha salido de gira con los Blues Brothers con los que ha interpretado algunos de sus grandes éxitos. De hecho, el actor Dan Akykroyd, cantante de los Blues Brothers es un confeso aficionado suyo desde que era pequeño y está encantado de haber podido compartir escenario con él. Disfrutad de Knock On Wood!

Canción de Navidad

2008-12-23T14:43:00.000-08:00

Aprovechando estas fechas, os dejamos con unos vídeos de canciones navideñas interpretadas por distintos artistas. Habrá quien le guste más y quien le guste menos pero si hay un tiempo para escuchar este tipo de canciones, lo mejor es hacerlo ahora. En primer lugar, tenemos el particular villancico que compuso John Lennon, Happy Christmas (War is Over). Se trata de una canción excelente relativamente poco conocida pero que sigue la línea de las composiciones de Lennon en solitario. Lennon habla de navidad para todos -ricos y pobres, blancos y negros- y mantiene el deseo esperanzado de mejorar como mundo. Además, os dejamos también una versión de Winter Wonderland por Brian Setzer y su orquesta. Para aquellos que no le conozcan Brian Setzer fue el líder del grupo de rockabilly Stray Cats y luego formó su propia orquesta en la que demostró su gusto por el swing de los años 30. En cualquier caso, una gran cantidad de artistas han grabado villancicos desde Frank Sinatra a Bruce Springsteen y se encargan de darle un nuevo aire a estas canciones tradicionales.

Niño al piano tocando Caldonia de Louis Jordan

2008-12-16T13:57:00.000-08:00

Colgamos este vídeo porque nos ha sorprendido mucho ver a un niño tocando el piano de esta manera. Podría ser un montaje pero parece real y es espectacular y muy divertido. Aprovechamos el vídeo para hablar de la canción que toca el pequeñín. Se trata de Caldonia, uno de los grandes éxitos de Louis Jordan. Es probable que su nombre no os resulte familiar, pero debería ser tan (re)conocido como Ray Charles, BB King, Chuck Berry o Little Richard, grandes figuras de la música y deudores del estilo de Louis Jordan.

Louis Jordan fue el rey de las jukebox, sobre todo en los años 40, y su sonido incorpora elementos del jazz, del blues, del rhythm & blues y del boogie-woogie y anticipa aspectos fundamentales de lo que vendría a llamarse rock 'n' roll. De hecho, su canción Saturday Night Fish Fry se cita a menudo como la primera canción de rock 'n' roll de la historia. Louis Jordan utiliza los arreglos y riffs propios del swing de orquesta y los pone al servicio de una sección rítmica marcada y contundente; walking bass, piano boogie-woogie y batería. Fue un excelente cantante y todo un entertainer llegando a participar en diversas películas.

Además de las canciones citadas, recomendamos canciones fantásticas como Choo Choo Ch'Boogie, Ain't Nobody Here But Us Chicken, Three Handed Woman, Let the good times roll y I'm gonna move to the outskirts of town (estas dos últimas versioneadas tanto por BB King -en su disco de tributo- como por Ray Charles). Os dejamos con una versión en directo de Caldonia.

Disco de la Semana (14/12/08): Duke Ellington & John Coltrane (1962)

2008-12-14T06:37:00.001-08:00

Duke Ellington y John Coltrane son dos grandes de la historia del jazz. Duke Ellington fue uno de los grandes directores de orquesta y uno de los mayores compositores de jazz. Por su parte, John Coltrane está considerado uno de los músicos más revolucionarios de jazz, un músico de vanguardia. Esta fue una colaboración histórica con un resultado genial. Duke Ellington continuó con su trabajo en pequeños combo que le daba al mismo tiempo más y menos responsabilidad. Como pianista tiene más peso pero lógicamente su trabajo sin big band es menos arduo. Para Coltrane, según sus propias palabras, "fue un honor tener la oportunidad de trabajar con Duke. Fue una experiencia maravillosa. Ha establecido standards que todavía no he alcanzado. Me hubiera gustado haber trabajado más los temas pero supongo que las interpretaciones no hubieran tenido la misma espontaneidad y puede que no hubieran sido mejores."

Los dos músicos llevaron consigo sus secciones rítmicas habituales que se turnaron dependiendo de la canción. El repertorio está formado por composiciones clásicas de Duke Ellington (In a Sentimental Mood, o Take the A Train -convertido en Take the Coltrane) más dos composiciones más: Big Nick (John Coltrane) y My Little Brown Book (Billy Strayhorn). Coltrane se encarga de conducir melodías e improvisar sobre las canciones. Su estilo este disco supone un respiro, un cambio en las tendencias más innovadoras que estaba desarrollando Coltrane con discos como Giant Steps, My Favourite Things o Soultrane. Duke Ellington & John Coltrane es un clásico con dos grandes maestros pero es un disco accesible, melódico y relajado que gustará a aquellos que quieran introducirse en este tipo de música. Es un disco gustoso de escuchar cuya base rítmica, segura y constante, sirve de soporte para intervenciones generalmente estables sobre todo del saxo bien arropado por el piano particular de Duke.

Historia Musical: Tal día como hoy...(13 de diciembre)

2008-12-13T07:00:00.000-08:00

Tal día como hoy de 1972, Bob Marley & The Wailers publicaron el disco Catch a fire en Gran Bretaña (en EE.UU. se publicó un año más tarde). Los miembros del grupo contaron con 4 mil libras para grabar el disco cedidas por Chris Blackwell, fundador del sello Island y productor del disco. Este disco marcó un punto decisivo en la historia de los 70. El reggae se convertía en un género con aspiraciones internacionales y Bob Marley & the Wailers iban a tratarse como una banda de rock.

El disco es una de las joyas de Bob Marley con los Wailers originales (Peter Tosh, Bunny Livingston acompañados por Aston "Family" Barret y Carlton Barret). Además, contaron con la ayuda de músicos de estudio como Wayne Perkins (guitarra solista) o John "Rabbit" Bundrick (sintetizador y órgano). Catch a fire incluye canciones fantásticas relativamente poco conocidas como No more troubles, Baby we've got a date (rock it baby), o Kinky reggae además de relativos éxitos como Concrete Jungle y la fantástica Stir it up. El sonido hipnótico y relajante de las canciones se consigue con variedad de instrumentos que tocan lo preciso y que conjuntamente crean un resultado especial.

Como siempre, la música de Bob Marley adquiere dimensiones místicas y está marcada por el contenido social de las letras que retratan la esclavitud, la rebeldía y la supervivencia. Hay un documental sobre el disco titulado Catch a fire en el aquellos que participaron en el disco lo comentan y vemos todo el trabajo de estudio de músicos y productores. Os dejamos un fragmento del documental que está colgado por partes en Youtube.

En vez de quedarse con recopilatorios, lo más gratificante es ir descubriendo los discos de Bob Marley poco a poco. Esta es la portada original de las primeras 20.000 copias del Catch a Fire. No sabemos si se pueden encontrar ejemplares porque la portada que ha sobrevivido es una con un joven Bob Marley fumando.

Toni Zenet

2008-12-09T08:39:00.000-08:00

Jazz, copla, swing o flamenco. El polivalente Toni Zenet se ha convertido en un un maestro del cante en todos estos géneros. Actor, poeta, artista plástico y ahora músico. Su voz cautivó ya la temporada pasada al audotorio del Café Central de Madrid y ahora espera conquistar al público con su primer disco "Los mares de China". Este disco es un cúmulo de temas que responden a la demanda de una "mejor" música dentro del panorama musical comercial. Chet Baker, Billie Holliday, Scorsese, Edith Piaf, Bola de Nieve, Chavela, la Piquer o Kamala son algunas de las influencias citadas en la nota de prensa de su sello.

Su primer disco recoge el repertorio que tanto sorprendió en 2007 a el público de los diferentes cafes de Madrid. Son temas donde se reivindica lo simple, pero una simpleza que corre a cargo de músicos de estudio de gran talento que saben conectar con el estilo del artista. Contrabajo, piano, trompeta y guitarra acompañan al malagueño a elegante ritmo de bossa y giros melódicos de jazz. Zenet,por su parte, se encarga de conquistar al público con su voz y saber estar; sin duda le ayuda las tablas que tiene en su carrera como actor. Cabe mencionar su aparicion en películas como "El joven Picasso", "El camino de los ingleses" o el filme de "Camarón" asi como algunas series televisivas. Sin duda es tan placentero escucharle como verle actuar ya que la combinación de música e interpretacion que lleva a cabo sobre el escenario llegan a crear un cierto clima, un ambiente íntimo y nostálgico reflejado en sus rasgadas letras de copla, su música y su propia forma de ser. Todo un showman que al más puro estilo blues brother cautivará a más de uno.

Disco de la semana (8-12-08)

2008-12-08T13:19:00.000-08:00

Este disco se trata de la banda sonora que acompaña al documental del mismo nombre producido en 1998 donde el guitarrista, productor y compositor Ry Cooder viaja a la Habanna y graba un exitoso disco en colaboración con grandes músicos cubanos de la talla de Ibrahim Ferrer (cantante), Compay Segundo (legendario guitarrista) o Eliades Ochoa.

El documental, dirigido por Wim Wenders, se centra en el seguimiento de las vidas de estos grandes músicos asi como de la grabación del disco y de su presentación en Europa (Amsterdam) y América (Nueva York). De esta forma se filma y a la vez se produce este album que recoje todo un surtido de guajiras y boleros donde se respira el aroma de La Habana. Unas melodías suaves y nostálgicas acompañadas de una impresionante percusión, virtuosismo al piano y potencia en los vientos; sin duda un estilo diferente, diferentemente cubano.

Stax por entregas (3); Booker T & the MG's

2008-12-06T06:45:00.000-08:00

Este es un vídeo en directo de Green Onions -la canción más popular de Booker T & the MG's- durante un concierto en Noruega del año 67.

Booker T & the MG's desempeñaron un papel fundamental en la Stax. Fueron el sonido que salía de Stax. En primer lugar, eran los músicos de estudio. Por tanto, se encargaban de acompañar con su música a los distintos cantantes como Otis Redding o Sam & Dave entre otros. Grababan en los discos de practicamente todos los artistas de la compañía y además constituyeron su propio grupo de música instrumental. Su formación es sencilla; una guitarra (Steve Cropper), un bajista (Donald "Duck" Dunn), un batería (Al Jackson) y un órgano (Booker T). Tenían un estilo muy propio en el que por encima de cualquier cosa destacaba el ritmo, el groove; "No se trataba de las notas musicales ni de la melodía, se trataba del groove" explicaba Steve Cropper. El grupo hizo sus propias composiciones y también hicieron versiones de temas conocidos sobre todo a medida que fueron transcurriendo los años como I Got A Woman o Lonely Avenue de Ray Charles o Twist & Shout de los Beatles.

Además de por su música, Booker T & the MG's destacaban por ser un grupo de integración racial con dos músicos blancos y dos negros en el Memphis segregado de los años 60. Tras una serie de éxitos en esta década, a principios de los 70 el grupo empezó a tener problemas. Stax empezaba a trabajar como en un producción en cadena y la carga de trabajo para Booker T & the MG's se multiplicaba. Steve Cropper cuenta que ya no podían hacer las cosas igual que antes. Empezaron a tener problemas para trabajar en el estudio y se disolvieron en 1971. No obstante, siguieron reuniendose ocasionalmente. El 75 fue un año trágico por la muerte de Al Jackson, asesinado en su casa por un ladrón. Steve Cropper se refería a él como "el mejor baterista en haber pisado la tierra."

Vale la pena escuchar a este grupo singular que compagina elementos del soul, del R&B e incluso del jazz y el pop en una mezcla que da como resultado el sonido Booker T & the MG's. Si queréis escuhcar otras canciones recomendamos: Time is tight, Hang 'em High, Hip Hug-Her, Jellybread o directamente el álbum Green Onions.

Stax por entregas (2); Sam & Dave

2008-12-01T14:52:00.001-08:00

(Se recomienda darle al play antes de empezar a leer. Leerás a ritmo de Soul)

Continuamos con un poco más de Southern Soul del sello Stax. Si Otis Redding fue su estrella definitiva, Sam & Dave fueron los grandes animadores. Sam Moore y David Prater constituyeron un dúo inigualable en la escena del soul caracterizado por su gran energía, por sus bailes y por éxitos como Soul Man, Hold On I'm Coming, You Don't Know Like I Know o Soothe Me (Sam Cooke). No eran compositores sino que interpretaban canciones que la pareja Isaac Hayes-David Porter componían específicamente para ellos. Pienso en Sam & Dave como una pareja de showmen herederos de espectáculos de baile como los del Cotton Club en los años 30. Evidentemente, no por la música sino por la puesta en escena, la compenetración en el baile y la figura de frontmen. Aquellos que no conozcan a Sam & Dave pueden pensar en los Blues Brothers que seleccionaron gran parte del catálogo de la Stax con sus músicos incluidos para rescatar sus canciones.

Sam & Dave llegaron a la Stax como "descartes" de Atlantic, una compañía mucho más poderosa. El propio Sam cuenta que se sintieron defraudados y pensaban que su carrera caía en picado pero ocurrió todo lo contrario. El ambiente familiar de Stax, las composiciones hechas a medida y la oportunidad de trabajar con tranquilidad pusieron a Sam & Dave en el lugar que les correspondía. Sin embargo, su éxito -aunque intenso- sería efímero. Visto el éxito que habían conseguido, Atlantic decidió hacer efectiva la vuelta de Sam & Dave a sus estudios haciendo valer una cláusula de su contrato. Para Sam & Dave ya nada volvería a ser como antes y su carrera empezó a venirse abajo. La situación de Stax empeoró todavía más pues a la muerte de Otis se unió la marcha de Sam & Dave. Este sería el punto inicial de la segunda etapa de Stax en la que Isaac Hayes ocuparía un papel principal.

¿Qué os parecen?

Duquende y Tomatito

2008-12-01T07:48:00.000-08:00

Una fusión de dos grandes maestros del cante y la guitarra. Eso es lo que se refleja en esta obra. Editada en 1992, en este disco se complementan el arte de uno y otro a ritmo de tangos, soleás, alegrías y fandangos. El Yin y el Yang. La pasion del cante de Juan Cortés, Duquende, y la maestría de la guitarra de José Fernández Torres, conocido como "Tomatito", en un álbum que derrocha genio y arte.
Ambos músicos se formaron y criaron en el flamenco de la mano del inigualable Camarón de la Isla, y claramente esto no pasa inadvertido cuando uno escucha atentamente el toque y cante que estos desempeñan. Es bien conocido que Tomatito lo acompañó a la guitarra durante los últimos dieciocho años de la vida del maestro. Años en lo que, junto a Paco de Lucia, crearon una extensa discografía y se crearon a su vez, merecidamente, un renombre dentro del panorama musical del flamenco más puro. "La leyenda del tiempo" fue el primero de una larga serie de Lp's y "Como el agua" el primero en el que compartió el toque con Paco, engendrando una de las más admiradas y, desde luego, brillantes obras musicales.
Duquende, por su parte, aunque muy posterior, también compartió momentos con el gaditano. Nacido en Sabadell en el seno de una familia gitana, fue invitado por Camarón ya a la edad de nueve años para debutar en los escenarios, donde tuvo un gran impacto. Su familia se mostró contraria a las invitaciones de casas discográficas por su temprana edad y se tuvo que esperar a1992 para poder disfrutar de este genio del cante en estado puro. El "duende" que ya Camarón le adivinaba fue perfilándose y creciendo hasta tal punto que grandes guitarristas del mundo del flamenco (Vicente Amigo, Juan Manuel Cañizares o Paco de Lucia entre otros) se vieron "obligados" a acompañar su cante.
Es así como en este disco el considerado como "heredero de Camarón" desempeña un cante rasgado, gitano y sugerente. Qué mejor acompañamiento que Tomatito, en colaboración en algunos temas con grandes músicos como Carles Benavent, Tino di Geraldo o los hermanos Carmona (Ketama), para darle ese halo de inspiración arcaicamente flamenco. Una obra que asombra ya no solo a amantes y entendidos del estilo; cualquiera que se preste a escuchar sentirá en sus carnes el “duende”.

Disco de la Semana (30/11/08)

2008-11-30T06:49:00.000-08:00

El disco Kind Of Blue (1959) es el disco más afamado de Miles Davis y una de las grandes obras maestras del jazz. Una de esas obras increíbles que alcanzan la misma popularidad entre músicos, críticos y aficionados. En Kind Of Blue Miles Davis desarrolló el estilo modal que había iniciado en Milestones. Los temas se sustentan sobre escalas y no sobre acordes. Según las palabras del propio Miles "permite mucha más libertad ... y se convierte en un reto probar la capacidad de innovación melódica de cada uno." Según cuenta Bill Evans (pianista) en el texto del disco, "Miles concibió el esquema de las canciones sólo unas horas antes de las fechas de grabación." La improvisación correría por parte de los músicos tras unas breves indicaciones.

Sin embargo, más allá de la composición y la historia del disco, el resultado es lo que cuenta y la sonoridad de Kind Of Blue sorprenderá a aquel que lo escuche. Es un sonido aparentemente sencillo con un sexteto de altísimo nivel con nombres propios de la historia del jazz como John Coltrane (saxo tenor) o el propio Bill Evans (piano), además de Cannonball Adderley (saxo alto), Paul Chambers (contrabajo), Jimmy Cobb (batería) y Wynton Kelly (piano en #2). El jazz no es una música cerebral ni debe ser considerada elitista; es una música de improvisación, de conexión corporal y emocional. Quizás pueda sorprenderle a alguien la duración de las canciones; la mayoría está en torno a los nueve minutos durante los cuales los músicos van improvisando siguiendo un orden.

Os dejamos una interpretación en directo de la canción que abre el disco, So What, todo un clásico.

Toots and The Maytals

2008-11-24T11:04:00.000-08:00

Hasta ahora no habíamos abordado la música jamaicana pero con los Maytals sin duda esta cuenta queda, por el momento, saldada. El más puro reggae y el ska se entremezclan dentro de un ritmo acelerado y bailable que da lugar a todo un grupazo de rocksteady que todavía a día de hoy sigue al pie del cañón paseando su música por cada rincón de este mundo.

Este grupo, surgido en a mediados de los 60, se organizó ya en un principio en torno a la figura de Freferick Hibbert. Apodado como "Toots”, este jamaicano tuvo una infancia muy ligada a la música ya que cantaba gospel de niño en la iglesia; esta faceta suya se reflejaría años más tarde en sus composiciones. Atraído por el sonido tan particular del reggae jamaicano y del ska, Frederick comenzó a formar junto con Henry Gordon y Nathaniel McCarthy, una banda de Rocksteady que tenía un sonido que en ocasiones recordaba a los legendarios The Skatalites ya que algunos de los músicos de estudio de su primera productora, Studio One de Clement Dodd, pertenecían a la banda. Sin embargo la armonía original desarrollada por Toots con claras influencias del gospel desmarcó y destacó a la banda desde un primer momento.
A pesar de los constantes cambios en el campo de la producción, la banda gano varias ediciones del Jamaican Independence Festival Song Competition con canciones como "Bam Bam", "Sweet and Dandy" o "Monkey Man". Fue a raíz de estos éxitos como The Maytals se consagró localmente y empezó a ser conocido fuera de la isla, siendo "Monkey man" todo un éxito internacinal en 1970. Funky Kingstone (1973) o Reggae Got Soul (1975) son obras que pegaron muy fuerte en esta "epoca dorada" de la banda. Grupos tan conocidos como The Specials, The Clash y también Bob Marley con los Wailers, hicieron mención y versionearon canciones como "Monkey man", "Pressure drop" o "Punfy Reggae Party" respectivamente.

Mas tarde, con la llegada del reggae-punk y el auge del ska en Inglaterra en 1978-80, la banda sufrió un declive y llegó incluso a desaparecer. No obstante ya en los 90 se rejuntó para seguir extendiendo el fenómeno Rocksteady en sus incansables giras y con nuevas grabaciones como True love (2005) donde se remasterizan clásicos temas de la banda en compañía de grandes músicos de la talla de Keith Richards o Eric Clapton. En esta segunda etapa también versionaron canciones en tributo a otros artistas (como Let Down de Radiohead) y sirvieron de referente en otras ocasiones ya que su música siguió siendo versionada por multitud de bandas y fue utilizada en el cine e incluso en videojuegos.

Toots and The Maytals, un grupo jamaicano histórico que ha pasado sin pena y con gloria por infinidad de escenarios y ha sabido dejar huella en nosotros, quizás sin saberlo.

Stax por entregas (1); Otis Redding

2008-11-22T07:42:00.000-08:00

Después de escribir acerca de Isaac Hayes vamos a seguir hablando de la gran música soul de la Stax. La compañía fue formada por los hermanos Jim Stewart y Estelle Axton -el nombre salió de combinar los dos apellidos-. A principios de los 60 Memphis se convirtió de nuevo en el centro de las transformaciones musicales. Stax proporcionó un estudio de grabación y una tienda de discos a la población de Memphis, sin distinciones raciales -un estado todavía marcado por la segregación-. "En Memphis durante los años 60 gente que no podía comer juntos en bares se juntaron para tocar música, música soul en un lugar llamado Stax". Si Motown tuvo más éxitos en las listas, melodías más cuidadas y arreglos más finos, Stax tuvo el funk y la fuerza; el alma.

La política familiar de la Stax se demostraba con la banda de estudio Booker T & the MG's -una formación instrumental con dos negros y dos blancos- que acompañaba a los cantantes solistas que iban entrando. Otis Redding se convirtió en la gran estrella de la Stax por su talento interpretativo y capacidad de transmisión. Es curioso recordar la historia de Otis en la Stax: llegó un día descargando el equipo y como chofer del grupo Johnny Jenkins & the Pinetoppers. Durante la sesión el batería Al Jackson le dijo Steve Cropper (guitarrista): oye, ¿sabéis el chico que conducía? Me está dando la lata para que le oiga cantar. ¿Lo escucharías cantar para que me deje en paz? Algunos músicos ya se habían marchado y otros estaban cansados pero Otis había estado esperando hasta el final y le dejaron cantar. Steve Cropper cuenta que Otis dijo que tocaran acordes de iglesia y que empezó a cantar These Arms Of Mine y se quedó impresionado por su forma de cantar. Otis Redding murió a los 26 años, el 10 de diciembre de 1967 en un accidente de avioneta. No pudo ver el éxito de Sittin' at the dock of the bay, su primer número uno. Esta canción marcó un cambio de estilo que el mismo definió como folk-soul.

Os dejamos un vídeo en directo de Try a little tenderness. Es una canción que empieza lenta y que acaba con gran fuerza. También uno de Sittin' At The Dock of the Bay, su canción más conocida. Además, vale la pena escuchar otras como Hard to handle, Shake, Mr.Pitiful, Respect o su versión de Satisfaction.

Historia Musical: Tal día como hoy...(20 de noviembre)

2008-11-20T07:48:00.000-08:00

Tal día como hoy de 1971, la canción Theme From Shaft de Isaac Hayes alcanzó el puesto #1 el Billboard Hot 100 en el que permanecería dos semanas. Shaft fue una película blaxploitation en la que Isaac Hayes se encargó de la banda sonora. El proyecto estaba relacionado con el movimiento de Black Power; el director era negro (Gordon Parks), el protagonista también (Richard Roundtree) y el compositor también. La banda sonora de Isaac Hayes le convirtió en el primer negro en conseguir un Oscar. El tema de Shaft incluía un sonido de guitarra wah-wah característico y unos arreglos sinfónicos que se mezclaban con el funk y el soul del sello Stax.

Para entender mejor la figura de Isaac Hayes conviene retroceder un poco más en el tiempo. Hayes empezó como músico de estudio y compositor y productor en la compañía discográfica Stax -junto con Motown la compañía más importante de música soul-. Como compositor Hayes trabajaba normalmente con su compañero David Porter y juntos produjeron algunos de las mejores canciones de Stax como Hold On I'm Coming, Soul Man o You don't know like I know que popularizarían Sam & Dave. Poco a poco, Hayes empezó a participar en grabaciones como pianista o teclista de cantantes como Otis Redding o los propios Sam & Dave. Tras la muerte de Otis Redding y el regreso de Sam & Dave a Atlantic la Stax se quedaba sin sus principales estrellas. El buen trabajo de Hayes y las circunstancias de la compañía le dieron la posibilidad de publicar un disco a su nombre. Sin embargo, Presenting Isaac Hayes (1968) fue un fracaso comercial. Hayes estaba desarrollando entonces un nuevo concepto del soul distinto. Si Soul Man (2:36) o Hold On I'm Coming (2:30) eran canciones cortas, de estribillo marcado y muy rítmicas, sus nuevas canciones eran radicalmente distintas. Su siguiente álbum Hot Buttered Soul (1969) lo demostró y llegó a ser un éxito. El título ya resulta muy significativo. Hayes desarrolló para sí mismo una idea del soul nueva y evolucionada que se adaptaba a sus características como intérprete. Su sonido atmosférico está marcado por arreglos orquestrales, órganos, trompetas y por su grave voz. En Walk On By transformó la canción de Dionne Warwick en una exploración de 12 minutos. Isaac Hayes no era un gran cantante y se especializó en crear atmosferas sugerentes y atractivas y en utilizar su registro de voz para casi recitar. Sus canciones están, a menudo, cargadas de erotismo; le gustaba pensar que la gente hacía el amor escuchando su música.

A partir de Hot Buttered Soul, Isaac Hayes fue convirtiéndose en un líder y un icono del soul. Una especie de profeta que recibió el nombre de Black Moses (Moisés Negro) y lo utilizó como nombre de uno de sus discos. Como artista consagrado, el éxito definitivo le llegó con la banda sonora de Shaft y el Oscar. Áños después Hayes llegó a pasar malas rachas pero se convirtió en un personaje público. Trabajó en televisión (también en un capítulo de El Equipo A), participó en campañas benéficas y puso voz al personaje del Chef -también negro- de la serie South Park.

Isaac Hayes murió el pasado agosto a los 65 años en su casa de Memphis. Desde aquí le recordamos, sobre todo por su faceta como músico. Sus composiciones durante la primera época de Stax son fantásticas y su desarrollo del Soul dinamizó los setenta llevándolo a otros parámetros musicales que influyeron en el funk, incluso en la aparición del rap; en la música negra en general.

Do The Evolution

2008-11-20T02:49:00.000-08:00

Os dejamos el fantástico videoclip de Do the Evolution, la canción de Pearl Jam. El vídeo fue animado por Kevin Altieri que dirigió la serie animada de Batman entre otros trabajos. Para los que no conozcan a Pearl Jam, son una banda de rock de Seattle líderes del movimiento grunge de principios de los 90. En este vídeo aparece la letra de la canción subtitulada en castellano. Trata de la evolución del ser humano haciendo un repaso histórico particular. Se incluyen todo tipo the imágenes en una reflexión acerca del ser humano y su comportamiento. Lo mejor es que veáis el vídeo y lo comentéis si quereis.

Disco de la semana 18-11-08

2008-11-17T14:56:00.000-08:00

"Vengue" fue el debut discográfico del conjunto barcelonés Ojos de brujo, formado oficialmente en 1996. Éste integraba una agrupación de grandes músicos pertenecientes a la escena local de jam sessions de Barcelona, que encontraron en Marina "La canillas" voz e imagen para el conjunto. A pesar de que este encuentro se produjo en la isla de Formentera, el grupo se trasladó a Barcelona donde fijó su hogar. Desde ahí desarrollaron un arte vacilón y callejero a través de la rumba de Barcelona iniciada ya por Peret. De hecho en homenaje a este, editan una canción en colaboración con el llamado "rey de la rumba".

Este grupo de flamenco-fusión ya desde su inicio trató de mezclar el puro estilo con mucha percusión (de todo tipo), reggae, pinceladas de hip hop y también algo de electrónica con la incorporación de un dj que mezcla en este álbum a la perfección bases y scratchin' con rumbas, tangos y soleares. "Vengue" se trata de "duende" en caló (lengua gitana) y es así como el pueblo gitano llama al estado artístico, prácticamente un trance pasional, en la interpretación del flamenco. Un nombre muy acertado para este disco que emana pasión y arte. No obstante, fue en directo donde el grupo tenía más gancho y fue gracias a esto por lo que empezó a correr la voz prácticamente de boca en boca. Un rumor que hoy es ya toda una realidad.

"Abbey Road"

2008-11-17T04:35:00.000-08:00

"Como en los viejos tiempos", así es como Paul McCarney se dirigió a George Martin (productor). Recuperar el espíritu Beatle con el objeto de grabar un ultimo disco. Esa era su intención; y sin duda lo consiguió. Este álbum de los Beatles es todo un referente musical. Grabado y editado en 1969 se convirtió en la última obra del grupo británico como conjunto ya que Let it be fue grabado con anterioridad a pesar de su posterior publicación. En este álbum la partición a doble cara se da necesariamente ya que pretende reflejar la diferente manera de pensar, a la hora de componer, de Lennon y McCartney.

En la primera cara hay grandes canciones de la banda como son "Come toghether" o "I want you (She's so heavy)" junto con grandes baladas como "Oh! darling" (McCartney) o"Something" (compuesta por Harrison). En esta primera cara se dan temas independientes y muy diferentes musicalmente hablando, contentando así las aspiraciones de Lennon; se incluye tambien un tema compuesto por Ringo Starr, "Octopus Garden" en el que Harrison también intervino o colaboró en su composición. En la intrumentación se destaca inclusión de nuevos instrumentos como teclados acústicos, organos o sintetizadores.

Es la segunda cara la que, al menos personalmente, se cree la mejor segunda cara de la historia. Hay que reconocer que es mas interesante de escuchar por los enlaces que, a traves de puentes musicales en gran parte compuestos por McCartney, se hacen entre los diferentes temas. Temas que en ocasiones se tiñen de nostalgia y de pesimismo como en "Because" (Lennon) que, inspirado en el Claro de Luna de L.V. Beethoven (sonata para piano Nº14) y con la voz de Lennon doblada, al enlazar con "You never give me your money" da todo un ejemplo de inteligencia y maestria musical. Ya no se trata de si sus temas tiene gancho o son insipidos. El hecho es que los temas son para quitarse el sombrero y los enlaces entre estos simplemente para deleitarse, saben lo que toca y cuando toca. Una vez más no queda otra que admirar a los de Liverpool.

Janis Joplin

2008-11-17T01:31:00.000-08:00

Puede que algunos hayáis echado en falta alguna otra mujer además de la vocalista de Jefferson Airplane, Grace Slick. Janis Joplin es sin duda una de las grandes cantantes de la historia y de los grandes referentes de los 60. Fue la primera mujer blanca considerada estrella del rock n roll y un símbolo de la contracultura de los 60. El estilo de Janis Joplin está asentado sobre el blues con grandes influencias de cantantes como Bessie Smith y de la onda psicodélica.

Igual que Jim Morrison (vocalista The Doors) y Jimi Hendrix, Janis murió a los 27 años tras una sobredosis. Seis semanas después de su muerte salió el disco Pearl que se convirtió en uno de sus discos más emblemáticos. Janis ya había grabado todas las canciones menos Buried Alive in the blues que se mantuvo sin voz. Además, la música de Mercedes Benz tampoco se había grabado todavía; decidieron dejarla así sólo con la voz de Janis.

Algunas de sus canciones más destacadas son Piece Of My Heart, Cry Baby, Me and Bobby McGee, Mercedes Benz, Summertime (transformación de la composición de Gershwinn) o Maybe entre otras. Sin embargo, vale la pena profundizar en su trabajo o escuchar ádemás del citado Pearl (1971) discos como Cheap Thrills (1968) e incluso, como forma de aproximación, algún recopilatorio extenso.

Si el rock no se ha caracterizado históricamente por la incursión de cantantes femeninas como sucede en el blues o el jazz, Janis Joplin es un ejemplo del rock sesentero y una referencia para muchos otros artistas posteriores. Podemos ver su enorme fuerza, potencia y pasión en sus actuaciones en directo.

El primer vídeo es de Piece of my heart y el segundo el casi tenebroso arreglo de Summertime, un standard de jazz convertido en un hipnótico canto.

Por último, queremos recomendar una versión de Me & Bobby McGee. Fue compuesta por Kris Kristofferson y, aunque a veces se le atribuye a Janis porque la hizo famosa, la han interpretado distintos intérpretes como el propio Kris Kristofferson, Johnny Cash, Dolly Parton o Jerry Lee Lewis además de la cantante Pink o Loquillo. Además de la cantada por Janis, recomendamos la versión al piano de Jerry Lee Lewis. Como todo lo que toca, la hace suya y el resultado es una pieza marca de la casa. Más rítmica y menos melódcia; ver a The Killer es un espectáculo.

http://www.youtube.com/watch?v=KDevnAeoyqI&feature=related

Rock Psicodélico de los 60

2008-11-15T05:04:00.000-08:00

Nos habían preguntado en un comentario por alguna referencia a The Doors. Bien, os dejamos unos cuantos vídeos de grupos que formaron parte del Rock Psicodélico de los años 60. Sin ánimo de ser exhaustivos, esperemos que disfrutéis con la música.

El primer vídeo es el éxito de Jefferson Airplane; Somebody To Love con la cantante Grace Slick.

La siguiente canción es A House Is Not A Motel del grupo Love. La canción está incluida en su álbum más famoso, Forever Changes (1967). El grupo y este disco en particular han pasado a considerarse música de culto. En el momento de su publicación el éxito de Love fue relativo eclipsado por grupos como The Doors o Jefferson Airplane pero su música ha adquirido mayor reconocimento con los años. Puede ser un buen descubrimiento para aquellos que no lo conozcan.

Aquí tenemos el tema Voodoo Chile de Jimi Hendrix.

Os dejamos también House Of The Rising Sun, la famosa canción de The Animals. Los incluimos pese a no ser considerados banda psicodélica estrictamente. Fueron un grupo fundamental en lo que se llamó la Invasión Británica. Por su sonido, estética y uso del teclado están emparentadas con los grupos anteriores.

Y por último, colgamos Light My Fire; uno de los máximos éxitos de The Doors incluido en su primer disco The Doors (1967). Esta es una versión larga con muchos minutos instrumentales en los que se puede ver cómo eran The Doors. No vale la pena acudir a la versión cortada hecha para sacarla como single.

Muere Miriam Makeba, la Mamá de Africa

2008-11-11T14:25:00.000-08:00

Miriam Makeba falleció la madrugada del lunes a los 76. Para aquellos que no la conozcan, o crean no conocerla, diremos que fue una de las cantantes africanas por excelencia; una mujer luchadora que denunció el apartheid de su Sudáfrica natal y se comprometió en la lucha por los derechos civiles. Tras conocer la noticia Nelson Mandela se lamentaba: "Era la primera dama de la canción sudafricana y merecía el título de Mama África. Era la madre de nuestra lucha y de nuestra joven nación." Musicalmente combinó la canción africana tradicional con el jazz y con estilos occidentales. Os dejamos un artículo que recoge historias de su apasionante vida y un par de enlaces de su gran éxito, el conocido Pata Pata. Seguro que podréis tararearla.

http://www.youtube.com/watch?v=kCc61z9IFu4

Este vídeo es del 2007. Makeba tenía 75 años.

http://www.youtube.com/watch?v=L6w1u8o9ZBc&feature=related

Disco de la semana (10-11-08)

2008-11-10T11:24:00.000-08:00

Tres guitarristas reconocidos, Al Di Meola, John McLaughlin y Paco de Lucia, son los responsables de este disco. Una obra donde el flamenco más puro cobra cuerpo electroacústico gracias a la combinación de estos maestros de las seis cuerdas. Grabado la noche del 5 de Diciembre de 1980 durante un directo (de ahí el título Friday Night in San Francisco) estos tres genios, conocidos como el "Guitar Trio", se puede decir que llegan a dialogar musicalmente en clave de blues, jazz y como no, tambien flamenco gracias al personal e intransferible toque de Paco. Se recomienda una escucha integra y atenta de estos locos contertulios.

Yann Tiersen y Amélie Poulain

2008-11-09T08:52:00.000-08:00

Seguramente una película tan evocadora como es Le Fabuleaux destin d'Amelie Poulain no hubiera conseguido ese espíritu francés de no ser en parte por las composiciones que el compositor francés Yann Tiersenn dedicó a este filme. La obra del compositor le da sin duda la puntilla para acabar de ambientar e impregnar al espectador de ese contexto parisino del que se jacta la película.
Son temas cantados y tonales, nada de cosas raras, pero que desde luego saben cautivar tanto a aquel que este dispuesto a escucharlo como al que no. Una música que tiene un cariz diferente, un atractivo especial que se hace patente nota a nota; unas veces a través de melodías casi de vals y otras a través de el cálido arpegiado de un piano. En la composición de sus temas se refleja contundentemente la formación en piano y violín que el compositor recibió desde su infancia, aunque si por algo se caracteriza este compositor es por ser un multi-instrumentista virtuoso ya que destaca también en el manejo del acordeón, el banjo, el violonchelo o el “toy-piano”, así como la guitarra eléctrica ya fuera de su música para el cine.
Es cierto que fue el cine quien le dio alas al compositor y que fue a través de la fama mediática que tuvo la película como pudimos descubrir a este gran músico. Autor también de la B.S.O de Good bye, Lenin!, su música siempre añade un toque artísticamente nostálgico que hace ganar mucho a la película hasta tal punto que su talento a la hora de acompañar musicalmente unos planos ha sido masivamente reconocido. No obstante basta con echar la vista atrás en los archivos para darse cuenta que no solo gana acompañado de imagen, que su música es evocadora ya de por sí y que su estilo a la hora de componer hacen de él un compositor único. Una música diferente obra a obra que sin embargo le sigue siendo fiel a un patrón, o más bien “sentimiento”, que desde su primera obra Le Vals des Monsters se ha podido entrever. Un “sentimiento” que sin duda queda mejor descrito en su música. Disfrútenlo.

http://www.youtube.com/watch?v=9vopaDE_9aE

http://www.youtube.com/watch?v=Hm0g5trWV9c&feature=related

Historia Musical: Tal día como hoy... (9 de noviembre)

2008-11-09T06:28:00.000-08:00

Tal día como hoy de 1941 nació Tom Fogerty. Tom formó junto con su hermano John el grupo Creedence Clearwater Revival, uno de las bandas americanas más populares en durante los 60. Ocupó un papel secundario porque su hermano John fue el líder del grupo -cantante y guitarra solista- pero Tom se encargó de la guitarra rítmica, el piano y los coros; la Creedence fue un banda de dos hermanos. De hecho, las tensiones creadas entre los miembros de la banda fueron por el mayor peso compositivo que adquirió John. Tom fue el fundador del grupo que al principio se llamaba Tommy Fogerty & The Blue Velvets. Al final, Tom dejó el grupo para comenzar su carrera en solitario con el disco Tom Fogerty (1972) que no tuvo demasiada repercusión. En 1990 Tom falleció por fallos respiratorios derivados de una tuberculosis y anteriormente contrajo el sida durante una operación quirúrjica.
La Credeence Clearwater Revival creó un sonido propio a partir del rock n roll, el blues y el country que se denominó swamp rock, rock pantanoso. Todo el mundo ha escuchado, quizás sin saberlo, algunas de sus canciones como Who'll stop the rain, Rockin' all over the world -versioneda por en castellano Platero y tú- , Have you ever seen the rain o Proud Mary. Algunas de sus canciones han sido utilizadas en famosas bandas sonoras para el cine como Fortunate Son (Forrest Gump; The Manchurian Candidate), Suzie Q (Apocalypse Now) o Lookin' out my back door (El Gran Lebowski) entre otras.
Os dejamos un video en directo de Proud Mary. Es todo un clásico que han versioneado Ike & Tina Turner o Los Rebeldes entre otros.

Entrevista Robe Iniesta

2008-11-07T06:09:00.001-08:00

Aquí tenéis una breve entrevista a Robe Iniesta, el cantante de Extremoduro, publicada en la revista Rolling Stone de este mes de noviembre. La entrevista no está mal aunque quizás con otras preguntas hubiera sido más interesante. De todas formas, además de hablar sobre el disco La Ley Innata -del que colgamos nuestra visión particular- habla un poco sobre política.

Siempre Back In Black

2008-11-03T14:37:00.000-08:00

Modificamos esta entrada porque tras seguir indagando acerca de esta versión de Back in Black hemos encontrado foros en los que se afirma que no se trata de Bon Scott. Alegan que es una verisón incluida en un disco de homenaje al propio Bon Scott por parte de varios grupos. Lo que ocurre es que al acudir al tributo Bon Appetite - Tribute to the Bon Scott Years of AC/DC la canción Back in Black no está. Así, que todavía no sabemos de donde ha salido la versión; no por ello el resultado deja de ser buenísimo.

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En la revista Rolling Stone de este mes de noviembre viene publicada una lista con una selección de las 50 mejores canciones heavy de la historia. En el puesto 18 han situado la canción de AC/DC Back In Black. De ella dicen: "Uno de los temas más versioneados de AC/DC (hasta Shakira se ha atrevido con él) para el disco multimillonario de la banda, con la personal voz de Brian Johnson como novedad (aunque todavía circula la leyenda negra de que Bon Scott dejó una versión antes de morir)." Lo que nos sorprende es que califiquen de leyenda negra la versión de Bon Scott cuando esa lleva ya tiempo circulando por Internet. Esta versión rara no sólo tiene el aliciente de escuchar al cantante original de AC/DC sino también una introducción demoledora que por algún motivo que no entendemos se omitió en la versión definitiva.
Bon Scott murió después del disco Highway to hell (1979) y el grupo decidió buscar a otro cantante; el camionero Brian Johnson fue el mejor sustituto y Back in Black (1980) se convertiría en uno de los discos más vendidos de la historia del rock. Lo curioso es que, a menudo se le atribuye al título del disco un componente de luto por la muerte de Bon Scott que queda desmentido por la existencia de la versión que comentamos.

En fin, lo mejor es escucharla porque si te gustaba back in black, ahora te gustará más y te quedarás sorprendido.

http://www.youtube.com/watch?v=wXiWCSTo-lk

Os dejamos tambíen la versión de Shakira en directo. Le falta fuerza pero trata de suplirlo con mucha sensualidad.

http://www.youtube.com/watch?v=T1uM-Inv1tU

Disco de la semana (3/10/08)

2008-11-03T14:36:00.001-08:00

El primer disco de Elvis para RCA fue el primer álbum de rock en llegar al número 1. Incluye éxitos como Heartbreak Hotel o Blue Suede Shoes. También versiones de canciones de R&B de artistas negros como I got a woman (Ray Charles), Tutti Frutti (Little Richard) o Money Honey (Jesse Stone) y standards de country y pop. Este disco ayuda a comprender el rock n roll; combina blues, rockabilly y country. Es una buena muestra de la que seguramente fue los mejores años de Elvis. La célebre portada fue homenajeada por The Clash en su portada de London Calling.

Disco de la semana (27-10-08)

2008-11-03T14:28:00.000-08:00

Este álbum de Pata negra se lleva sin duda el protagonismo de la sección. Una obra maestra que consigue combinar rumba flamenca y blues gracias a la maestría de los hermanos Rafael y Raimundo Amador. Con un tema dedicaco a Camarón de la Isla y siguiendo su personal estilo de "blueslería" se crea un disco que sin duda ha marcado tendencia dentro el panorama flamenco-fusión

Kitty, Daisy & Lewis

2008-11-01T07:03:00.000-07:00

Hoy hablamos de este grupo que nos ha sorprendido con el disco A to Z: The Roots Of Rock n Roll (2007). Como dice en su portada, estos tres hermanos de 15, 17 y 19 años conjugan estilos clásicos como el boogie woogie, el blues, el rockabilly o el swing con un sonido vintage que recuerda a las grabaciones del mítico sello Sun Records. Tienen una capacidad musical increíble ya que entre los tres tocan diversos instrumentos con naturalidad; el piano, acordeón, guitarra, steel guitar, ukelele, armónica, trombón y batería. Estos muchachos son de londres y han grabado el disco en un estudio casero montado a base de compra de equipos vintage por internet.

Parece ser que existe cierta tendencia de recuperación de géneros y, igual que ha sucedido con el Soul, estos tres hermanos -con la ayuda de sus padres que han tocado con ellos- han rescatado el sonido clásico del rock n roll que parece llegar con fuerza. El disco incluye piezas como Going Up The Country de Canned Heat y Got My Mojo Working de Muddy Waters. Más allá de sus edades y de su precocidad musical difícilmente asimilables, las canciones son de éxito seguro entre aquellos amantes del sonido de los 50.

www.myspace.com/kittydaisyandlewis

Vuelve Tequila

2008-10-25T07:16:00.000-07:00

Tequila actuó el jueves pasado en la plaza de toros como parte de la programación de la Semana de Bienvenida de la Universidad de Valencia compartiendo cartel con Orxata Sound System y La Casa Azul. Vimos poco pero fue una noche de lluvia y barro en la que el grupo de Ariel Rot y Alejo Stivel ofrecieron sus éxitos de siempre dejando la incombustible Salta para el final después de que el público la pidiera.

Con esta vuelta del grupo, Tequila ha querido confirmarse como una de las bandas míticas del rock español. Su valor estuvo en crear una escena de rock n roll propio antes de que la movida estallara. Matrícula de honor, el primer disco de Tequila, es del año 78 y incluye canciones tan populares como Rock n Roll en la plaza del pueblo o Necesito un Trago. La banda estuvo formada por dos jóvenes argentinos; Alejo Stivel (voz) y Ariel Rot (guitarra) y por los españoles Julián Infante (guitarra), Felipe Lipe (bajo) y Manolo Iglesias (batería). Manolo y Julián fueron víctimas del sida y murieron en 1994 y 2000 respectivamente.

El sonido de Tequila es una mezcla de varios elementos. Ellos se definen como rock n roll y no hay duda de la influencia que músicos como Chuck Berry o los Rolling Stones han ejercido sobre ellos. A Ariel Rot le hubiera gustado grabar "cualquier disco de Chuck Berry" y se considera alumno de Keith Richards pero las letras de Tequila son en castellano y eso le da una dimensión distinta. Tiene que ver con eso que ha pasado a llamarse Rock Latino. Podríamos decir que Tequila combina la base y los fraseos del rock n roll con melodías marcadamente pop pegadizas y bailables que, sin duda, han contribuido a su éxito. Lo hacen con un estilo muy festivo y algo pachanguero que se adentra en la estética y la ambigüedad sexual de los 80.

Ahora Alejo Stivel está calvo, los miembros de la banda han cambiado y Ariel Rot -por su carrera con Los Rodríguez y en solitario- es casi sin discusión la principal figura del grupo. De hecho, Ariel Rot ha seguido tocando canciones de Tequila como Necesito un trago, Nena, Mister Jones o Quiero Besarte.

No sabemos el valor real que tiene está "vuelta" de Tequila. Sin canciones nuevas queda un recopilatorio y una gira de la que sacar dinero y diversión. De todas formas, visto el panorama pensaremos en positivo; siempre es buen momento para escuchar los fills y solos de Ariel Rot en su versión rockera, para que alguien conozca a Chuck Berry o quiera saber algo más de los Stones. Siempre es buen momento para reivindicar el rock n roll.

Aquí os dejamos un vídeo del legendario Chuck Berry con la banda que Keith Richards decidió formarle.

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Enlaces:

Entrevista a Ariel Rot en "No disparen al pianista"

http://www.youtube.com/watch?v=1cHyqQ2IP10

Necesito un trago

http://www.youtube.com/watch?v=1ByuwqeTJ0E

Salta

http://www.youtube.com/watch?v=OOlPbNwgjBE&feature=related

La Ley Innata de Extremoduro

2008-10-24T15:50:00.000-07:00

El nuevo disco de Extremoduro ofrece mucho del Extremoduro de siempre y mucho del nuevo. Tras 8 discos de estudio, un directo y un par de recopilatorios, demuestran que no sacan disco por publicar, ni para mantenerse en el negocio. Se regeneran con un proyecto que explora nuevas texturas y a la vez ahonda en la esencia del grupo: la combinación de elementos dulces y amargos; lírica cuidada, arreglos suaves, ternura y amor entremezclado con crudeza, desesperación, oscuridad, y un poco de humor.

La Ley Innata se presenta en movimientos como si de una obra de música clásica se tratase. Ayuda la incorporación de instrumentos poco habituales en sus discos como el violín, la viola, el violoncello, el oboe y la flauta además de trompetas mariachis, piano y órgano. Aun así, -y aunque seguramente la partición en pistas influye- más que por una sola canción, el disco parece estar formado por seis canciones largas con continuidad; las pistas están enlazadas, el disco termina con un fragmento de la introducción y hay un estribillo y un punteo que se repiten. Es, sin duda, un trabajo ambicioso, valiente y bien construido. Un disco de estilo que, en efecto, puede convertirse en una obra clásica de Extremoduro.

Aunque ya hace 6 años del anterior disco de Extremoduro –sin contar los recopilatorios- y la espera ha sido larga, vale la pena porque el resultado es inspirador. Iñaki, además de producirlo como ya es costumbre, dispara corredizas e incansables melodías y demuestra su gusto y buen hacer con armonías y arpegios. Robe ha escrito letras que gusta releer y descubrir basadas en sus campos habituales: la naturaleza, la derrota, los instintos y la fuerza. También destila elementos de actualidad como la violencia machista, los bombardeos y su conocido desinterés por la televisión. Además, sin descubrir nada nuevo, es necesario destacar su habilidad para hacer de las palabras canciones y la contundencia y capacidad de transmisión que (man)tiene su voz. Ruge, recita y rompe los tiempos cantando. Lo que sí sorprende es la Coda Flamenca. Interpretado con guitarras eléctricas, Robe canta flamenco arropado por las coristas que aumentan la categoría del tema. También mantiene su costumbre de rescatar versos de escritores y poetas que encajan con naturalidad en sus canciones. Esta vez le ha tocado a Pérez Galdos: “Por verme amado de ella por todo el día, / mañana, en perder la vida, consentiría.” Por su parte, Cantera y Miguel Colino garantizan la base rítmica machacona pero muy versátil. Es un disco compacto pero de muchos contrastes que no agradará a quien busque canciones simples de dos minutos y medio. Hay pasajes instrumentales que recuerdan a Pink Floyd y otros de Hard Rock como los 7 minutos del tercer movimiento.

Una especie de aura filosófica rodea a La Ley Innata. Quizás porque, según dicen, Robe se ha licenciado en esta materia. La portada tiene una cita de Cicerón inscrita en latín sobre el famoso dibujo de Leonardo Da Vinci – el Hombre de Vitruvio o Canon de las proporciones humanas -.La inscripción queda aclarada en la parte interior del librillo:

“Existe, de hecho, jueces, una ley no escrita, sino innata. La cual no hemos aprendido, heredado, leído, sino que de la misma naturaleza la hemos agarrado, exprimido, apurado. Ley para la que no hemos sido educados sino hechos; y en la que no hemos sido instruidos sino empapados” Traducción Libre

Un disco de estas características es poco habitual en la producción discográfica actual pero no es nuevo para Extremoduro. Podemos pensar en Pedrá -publicado en el 95 aunque grabado casi dos años antes- como un antecedente a La Ley Innata. Pedrá no era estrictamente un disco de Extremoduro sino una reunión de músicos y amigos que iba a llamarse Proyecto Pedrá pero que finalmente se lanzó como parte de la discografía de Extremoduro por asuntos comerciales. Sea como sea, son dos trabajos de características muy similares aunque con diferencias notables. Pedrá, al que seguramente no se ha prestado suficiente atención, fue también un trabajo valiente y experimental con su propio concepto ilustrado por la cita de Neruda escrita en la contraportada: “Cumpliendo con mi oficio / piedra con piedra, pluma con pluma / pasa el invierno y deja / sitios abandonados / habitaciones muertas: / yo trabajo y trabajo / debo sustituir / tantos olvidos, / llenar de pan las tinieblas, / fundar otra vez la esperanza.” También hay numerosos compases instrumentales en los que el teclado y el saxo cobran un papel principal uniendo segmentos y como solistas. Además, alcanza sonidos progresivos, algunos destellos galácticos y combina guitarras eléctricas con españolas de aire flamenco.

En general, Pedrá es un disco más agresivo que La Ley Innata. Más tosco, más guarro y más vulgar. De menos contrastes, menos arreglos y con un sonido, lógicamente, más antiguo. Una de las principales diferencias formales entre un disco y otro es la partición en pistas de La Ley Innata que no se hizo en Pedrá aunque seguramente también podría hacerse. Indudablemente, es una solución más cómoda para el usuario que puede acceder a las distintas partes con más facilidad y también desde una perspectiva comercial. También es atractivo que formen movimientos y que cada uno de ellos tenga un nombre aunque si la obra se ha concebido como una sola canción quizás debería mantenerse así.

Extremoduro tocaba una versión reducida de Pedrá en directo –versión que quedó registrada en Iros todos a tomar por culo-. De La Ley Innata podrán elegir los fragmentos que quieran y, sean cuales sean, tendrán buena acogida. Estos dos discos, separados por más de diez años pero con una idea aparentemente común, demuestran la capacidad de Extremoduro para sacar adelante trabajos de personalidad propia. Su trayectoria, encauzada desde los inicios por el carácter y talento de Robe, es una muestra de saber estar que hace que uno espere de lo próximo otro acierto más.

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Enlaces:

Primer Movimiento de La Ley Innata; El Sueño

http://es.youtube.com/watch?v=xzWAWaUJNqg&feature=related

Entrevista a Robe en la televisión de Plasencia, su ciudad natal

http://es.youtube.com/watch?v=AWbrmWA3SFE

Extremoduro en directo: la vereda de la puerta de atrás

http://es.youtube.com/watch?v=nIlIMnW5h5c